Los falsificadores - Stefan Ruzowitzky (2007)

Título original - Die Fälscher (The Counterfeiters)

Año - 2007

Duración - 98 min.

País - Austria 

Dirección - Stefan Ruzowitzky

Guion - Stefan Ruzowitzky, adaptando una historia de Adolf Burger

Música - Marius Ruhland

Fotografía - Benedict Neuenfels

Montaje - Britta Nahler

Producción - Josef Aichholzer, Nina Bohlmann y Babette Schröder

Productora - Co-production Austria-Alemania;

Reparto - Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt

Género - Drama / Nazismo, Holocausto, Años 30, Basado en hechos reales

El realizador austriaco Stefan Ruzowitzky adapta una historia de Adolf Burger y dirige la película Los falsificadores, una coproducción entre Austria y Alemania que pone sus ojos en la conocida como Operación Bernhard, un plan de Tercer Reich para falsificar moneda y provocar un colapso de la economía británica durante la Segunda Guerra Mundial, visto desde los ojos de los judíos que fueron utilizados para ejecutarlo. Destacar la fotografía de Benedict Neuenfels, la hermosa banda sonora de Marius Ruhland y el magnífico trabajo del actor Karl Markovics. Se llevó el Oscar como Mejor película de habla no inglesa en 2008.

Sinopsis - Berlín, 1936. Salomon Sorowitsch (Karl Markovics), el rey de los falsificadores de moneda, es un judío sin escrúpulos que cree que "la manera más rápida de ganar dinero es fabricar dinero" y no le preocupa en absoluto lo que está sucediendo a su alrededor, ni siquiera la situación de los judíos. Sin embargo, cuando estalla la guerra, es arrestado y llevado a un campo de concentración nazi, donde se ve obligado a trabajar con otros falsificadores, para intentar salvar su vida acosta de ayudar al enemigo a financiar sus ejércitos y desestabilizar la moneda británica, un enorme dilema moral.

El director - Stefan Ruzowitzky es un director de cine austriaco nacido en Viena, el 25 de diciembre de 1961. Estudió arte dramático e historia en la Universidad de Viena. Comenzó dirigiendo videos musicales para grupos como 'N Sync', además de realizar anuncios publicitarios.

Su debut cinematográfico fue con la comedia dramática Tempo (1996), en la que trata temas como la homosexualidad, protagonizada por Xaver Hutter y Anne Mertin. Con su siguiente trabajo, el thriller Los herederos (1998), con Sophie Rois, Simon Schwarz y Lars Rudolph, obtuvo el galardón como Mejor Película en el festival de cine de Rotterdam, así como en el Festival de Cine de Flandes. También obtuvo un premio en el Festival Internacional de Cine de Valladolid. Tras ella se adentró en el género del terror con Anatomía (2000), protagonizada por Franka Potente, que podemos posicionar entre los trabajos tipo Scream. 

Al año siguiente estrenó All the Queen's Men (2001), un trabajo que combina cine bélico, comedia y acción, protagonizado por Matt LeBlanc, Eddie Izzard, James Cosmo y Nicolette Krebitz; Tras ella dirigió la secuela Anatomía 2 (2003), con nombres como Barnaby Metschurat, Herbert Knaup, Heike Makatsch y Roman Knizka: tras un pequeño parón presentó Los falsificadores (2007), con la que ganó el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, interpretada por Karl Markovics, August Diehl y Devid Striesow; Tras ella llegaron la prescindible Kika Superbruja y el libro de hechizos (2009); el thriller La huida (Dead Fall, 2012), con Eric Bana, Olivia Wilde, Charlie Hunnam, Sissy Spacek y Kris Kristofferson, de la que os hablamos en este artículo; el documental Radical Evil (2013); el thriller Cold Hell (Die Hölle, 2017), con Violetta Schurawlow y Tobias Moretti en su reparto; la discreta Paciente cero (2018), una película de terror sobre una pandemia que ha eliminado a gran parte de la población convirtiéndola en seres violentos, con Matt Smith, Natalie Dormer, Stanley Tucci y Clive Standen; su último trabajo ha sido el drama ambientado en la edad media Narciso y Goldmundo (2020), protagonizado por Lukás Bech, Henriette Confurius, Roxane Duran y Georg Friedrich, entre otros.

La película - Continuando con nuestro repaso a ese selecto grupo de películas que han logrado alzarse con el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, hoy os hablaremos a la que consiguió la preciada estatuilla en el año 2008, Los falsificadores, un trabajo que trata un tema tan lamentable y espinoso como repetidamente utilizado en el cine, el del genocidio cometido por los nazis contra el pueblo judío y quien osara cruzarse en su camino. ¿Por que merece la pena disfrutarla entonces?. Muy sencillo. La película de Stefan Ruzowitzky se centra en un suceso poco conocido, al menos por un servidor, que pudo cambiar el devenir de la guerra, para bien o para mal, y que además nos retrata la vida dentro de un campo de concentración de los que podían sentirse afortunados, judíos que por poseer habilidades de las que necesitaba el ejercito nazi, pudieron intentar salvar sus vidas y pasar sus días encerrados en mejores condiciones que la mayoría de su pueblo.

The Guilty - Gustav Möller (2018)

Título original - Den skyldige 

Año - 2018

Duración - 85 min.

País - Dinamarca 

Dirección - Gustav Möller

Guion - Emil Nygaard Albertsen y Gustav Möller

Música - Carl Coleman y Caspar Hesselager

Fotografía - Jasper Spanning

Montaje - Carla Luffe Heintzelmann

Producción - Lina Flint

Productora - Nordisk Film

Reparto - Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen, Jeanette Lindbæk, Simon Bennebjerg, Morten Suurballe, Guuled Abdi Youssef, Caroline Løppke, Peter Christoffersen, Nicolai Wendelboe, Morten Thunbo, Anders Brink Madsen

Género - Thriller / Secuestros / Desapariciones

Gustav Möller escribe junto a Emil Nygaard Albertsen y dirige The Guilty, la que es su ópera prima. Un magnífico thriller en el que, sin necesidad de grandes medios, consigue mantener al espectador pegado a la pantalla de principio a fin, obligándolo a utilizar su imaginación y compartir la experiencia de un agente que atiende una línea del servicio de emergencias. Sin lugar a dudas, muy recomendable. 

Sinopsis - Asger Holm (Jakob Cedergren), un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará una carrera contrarreloj para conseguir localizarla y poder ayudarla. 

La película - Gustav Möller sorprendió a propios y extraños con este magnífico trabajo, su ópera prima, en el que volvemos a comprobar que ni está ya todo contado, ni es necesario un gran presupuesto, si tienes una buena historia que contar y encuentras una buena forma de hacerlo. Cuando leí la sinopsis de este thriller telefónico inmediatamente me recordó a la magnífica Locke, dirigida por Steven Knight e interpretada por Tom Hardy, de la que os hablamos en este artículo, ya que mientras que en ella la acción tenía lugar en el interior de un vehículo, en esta ocasión lo hace en un puesto de control del servicio de emergencias de la policía, lugares cerrados que no invitan al espectador a imaginar argumento suficiente para una buena historia. Una vez visualizada, no puedo mas que recomendarles que hagan lo propio, tal como hice con la anteriormente mencionada.

Por cierto, está previsto el estreno este mismo año de su remake norteamericano, que contará en la dirección con Antoine Fuqua y entrega el protagonismo al bueno de Jake Gyllenhaal, aunque personalmente siempre prefiero disfrutar el trabajo original, para después decidir si le echo valor o no al consabido remake.

Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta

Año - 1945

Duración - 100 min.

País - Italia 

Dirección - Roberto Rossellini

Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio

Música - Renzo Rossellini

Fotografía - Ubaldo Arata

Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti

Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini

Productora - Excelsa Films

Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo

Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El director - Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.

Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard (2009)

Título original - Un prophète

Año - 2009

Duración - 150 min.

País - Francia

Dirección - Jacques Audiard

Guion - Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en una idea de Abdel Raouf Dafri

Música - Alexandre Desplat

Fotografía - Stéphane Fontaine

Montaje - Juliette Welfling

Producción - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit

Productora - Why Not Productions, Chic Films, Page 114, France 2 Cinema, UGC Images, BIM Distribuzione, Celluloid Dreams, Canal+, Cinecinema

Reparto - Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Basler, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frederic Graziani, Leïla Bekhti, Alaa Safi

Género - Thriller. Drama | Drama carcelario. Crimen

Jacques Audiard escribe junto a Thomas Bidegain y dirige Un profeta (Un prophète), un drama carcelario en el que convergen varios géneros, para ofrecernos uno de los retratos mas fieles de la vida en prisión que un servidor ha podido disfrutar. Mención especial a la fotografía de Stéphane Fontaine, la banda sonora de Alexandre Desplat y, sobre todo, el duelo interpretativo entre el veterano Niels Arestrup y el sorprendente Tahar Rahim. Gran Premio del Jurado en Cannes y ganadora del BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa. Por algo será.

Sinopsis - El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. La vida en la cárcel le resulta muy dura, ya que está completamente solo, por lo que no tendrá mas remedio que comenzar a trabajar para la mafia corsa, gobernada con puño firme por César Luciani (Niels Arestrup), que tras ponerlo a prueba, le ofrece la tan ansiada protección que necesita para poder sobrevivir, a cambio de sus servicios. 

El director - Jacques Audiard es un director de cine francés nacido en París el 30 de abril de 1952. Hijo del guionista y director Michel Audiard, a​ comienzos de los años 80 comenzó a escribir guiones que fueron rodaros por diferentes realizadores, como Réveillon chez Bob! o Mortelle randonnée, Baxter, Fréquence Meurtre y Saxo.

En 1994 dirigió su ópera prima, Mira a los hombres caer, una road movie con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant. La película ganó el premio César a la ópera prima y el premio Georges-Sadoul. Dos años después trabajó con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant en su segunda película, Un héroe muy discreto (1996), una comedia dramática cuyo guion se basó en la novela homónima de Jean-François Deniau.

En 2001 dirige Lee mis labios, un drama cuyo tono hizo que muchos críticos le encontraran reminiscencias con Jean-Pierre Melville. En su reparto aparecían nombres como Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Olivier Gourmet o Serge Boutleroff. Su cuarta película, De latir, mi corazón se ha parado, logró diez candidaturas a los premios César ganando ocho, entre ellos a la mejor película, al mejor director, mejor guion, mejor música y mejor cinematografía. Se trata de un drama interpretado por Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup y Jonathan Zaccaï. Con Un profeta (2009) consiguió nominaciones al Oscar y al Globo de oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ganar el BAFTA, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 9 Premios César y 2 Premios del cine europeo.

Tras ella llegaron el drama romántico De óxido y hueso (2012), con Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts; el drama social Dheepan (2015), con Jesuthasan Antonythasan y Kalieaswari Srinivasan; el western Los hermanos Sisters (2018), con Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed y Allison Tolman; y la reciente Les Olympiades (2021), un drama interpretado por Noémie Merlant, Stephen Manas, Geneviève Doang y Lumina Wang.

La película - El drama carcelario se ha convertido en uno de los subgéneros que nos ha dado mas alegrías a los aficionados a este arte a lo largo del tiempo. Títulos como Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption), Brubaker, La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), La milla verde (The Green Mile), Papillon, Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz), Pena de muerte (Dead Man Walking), Huracán Carter (The Hurricane), Al rojo vivo (White Heat), El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz) y El expreso de medianoche (Midnight Express), con bandera estadounidense, o La evasión (Le trou, 1960), En el nombre del padre (In the Name of the Father, 1993), Bronson (2008), Hunger (2008), Celda 211 (2009) y Convicto (Starred Up, 2013), todas europeas, suelen ser sinónimo de calidad y buen entretenimiento. El trabajo que hoy nos ocupa no hace mas que contribuir a engordar esta jugosa lista, aunque en el podemos encontrar varias peculiaridades que lo diferencia del resto y que os vamos a exponer aquí.

Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut) - Albert Dupontel (2017)

Título original - Au revoir là-haut

Año - 2017

Duración - 114 min.

País - Francia

Dirección - Albert Dupontel

Guion - Albert Dupontel y Pierre Lemaitre, basado en la novela: de Pierre Lemaitre

Música - Christophe Julien

Fotografía - Vincent Mathias

Montaje - Christophe Pinel

Producción - Catherine Bozorgan

Productora - ADCB Films, Manchester Films

Reparto - Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Émilie Dequenne, Laurent Lafitte, Mélanie Thierry, Frans Boyer, Travis Kerschen

Género - Drama, Años 1910-1919

Albert Dupontel dirige, interpreta y adapta junto al propio Pierre Lemaitre, la magnífica novela obra de este último. Una enérgica crítica a la absurda e innecesaria I guerra mundial, que nos pone en la piel de dos supervivientes del conflicto y de la venganza que estos pretenden perpetrar, donde sobresalen sus magníficos decorados y el mimo con el que son tratados todos los detalles (Fotografía, vestuario, puesta en escena, etc.). Lástima que no consiga llegar al alma del espectador de la forma en que el libro llega a su lector, porque estaríamos hablando de una obra maestra. Aun así, muy recomendable.

Sinopsis - Noviembre de 1919. Dos soldados, Edouard Péricourt (Nahuel Pérez Biscayart), un magnífico ilustrador, y Albert Maillard (Albert Dupontel), un modesto contable, consiguen sobrevivir al infierno de la guerra, a pesar de tener como mando superior al despótico e inhumano Capitán Henri d'Aulnay-Pradelle (Laurent Lafitte). En la Francia de la postguerra de los años 20, ambos urdirán un elaborado plan para realizar una gran estafa, utilizando el gran auge de los monumentos a los caídos en el campo de batalla.

El director - Philippe Guillaume, más conocido como Albert Dupontel, es un actor, director de cine y guionista francés nacido el 11 de enero de 1964 en Saint-Germain-en-Laye. 

Fue educado en el colegio Paul Bert de Conflans. Después del bachillerato estudió cinco años de medicina, tras los que abandonó la facultad. Fue entonces cuando comenzó su formación en teatro en Lécole du theatre National de Chaillot, bajo la dirección de Antoine Vitez. Trabaja como comediante e interviene esporádicamente en televisión, creando Sales Histoires (las sucias historias, 1990), una serie de cuentos para Canal +. 

Ya con el cine entre ceja y ceja rueda el corto Désire (1992). Tras numerosas dificultades consigue sacar adelante su ópera prima Bernie (1996), una comedia tan negra que tuvo enormes problemas para encontrar financiación; tras ella dirigió e interpreta junto a Claude Perron la comedia Le createur (1999). No es hasta siete años después cuando estrena Enfermés dehors (2006), una nueva comedia que escribe, dirige y protagoniza junto a Claude Perron, Nicolas Marié y Hélène Vincent. Le vilain (The Villain, 2009) es su siguiente trabajo, comedia que vuelve a escribir e interpretar junto a Catherine Frot, Nicolas Marié y Xavier Robic. Tras el regresa a la comedia negra con 9 meses, de condena (2013), que escribe junto a Héctor Cabello Reyes, Olivier Demangel y Laurent Turner, e interpreta junto a Sandrine Kiberlain. Su primera incursión en el drama es Nos vemos allá arriba (2017),  que escribe junto a Pierre Lemaitre, autor de la magnífica novela que adapta, y protagoniza junto a Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup y Émilie Dequenne. Su último trabajo ha sido la comedia dramática Adiós, idiotas (2020), que ha escrito junto a Xavier Nemo e interpretado junto a Virginie Efira, Nicolas Marié, Adèle Galloy y Grégoire Ludig, entre otros.

La película - He de reconocer que me ha costado mucho trabajo decidir la nota que merece este espectáculo llamado Nos vemos allá arriba, ya que tengo el enorme hándicap de haber disfrutado enormemente del texto en el que se basa, algo que no suele ser muy halagüeño a la hora de ponernos delante de su adaptación al cine. Por una parte, no puedo mas que alabar el enorme trabajo que, sin lugar a dudas, han realizado todos y cada uno de los que han participado en este magnífico proyecto, aunque de igual forma se que han estado realmente cerca de ofrecernos una de esas películas que permanecen en nuestra memoria de por vida, algo que me enfurece sobremanera.

El bueno, el feo y el malo (Trilogía del dólar) - Sergio Leone (1966)

Título original - Il buono, il brutto, il cattivo 

Año - 1966

Duración - 161 min.

País - Italia 

Dirección - Sergio Leone

Guion - Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone

Música - Ennio Morricone

Fotografía - Tonino Delli Colli

Montaje - Eugenio Alabiso y Nino Baragli

Vestuario - Carlo Simi

Diseño de producción - Carlo Simi

Producción - Alberto Grimaldi

Productora - Co-production Italia-España-Alemania del Oeste (RFA); Produzioni Europee Associati (PEA), Arturo González P.C, Constantin Film

Reparto - Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Rada Rassimov, Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Enzo Petito, Claudio Scarchilli, Al Mulock, John Bartha, Livio Lorenzon, Antonio Molino Rojo, Sandro Scarchilli, Chelo Alonso

Género - Western, Spaghetti Western, Guerra de Secesión, Película de culto

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo en Italia y El bueno, el malo y el feo en Hispanoamérica) es la obra del realizador Sergio Leone que cierra la denominada Trilogía del dólar. Una película única que permite al realizador italiano dar un paso mas en su continuo aprendizaje ante la cámara y en la que destacan la fotografía del gran Tonino Delli Colli, el montaje de Eugenio Alabiso y Nino Baragli, la inconfundible banda sonora de Ennio Morricone y la interpretación de su trio protagonista, formado por Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach. Inolvidable e imprescindible.

Sinopsis - Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), El bueno (Clint Eastwood), apodado «Rubio» y el feo (Eli Wallach), alias «Tuco», sobreviven estafando de pueblo en pueblo. El malo (Lee Van Cleef), alias «Sentencia», se gana la vida como cazarrecompensas. El bueno y el feo unirán sus fuerzas a regañadientes, para poder encontrar un tesoro de 200.000 dólares en monedas de oro, de cuyo paradero tienen cada uno solo parte de la información, aunque el malo tiene conocimiento de su existencia e intentará también hacerse con el. 

El director - Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano nacido en Roma, el 3 de enero de 1929. Era hijo del director de cine Roberto Roberti (seudónimo de Vincenzo Leone) y la actriz de cine mudo Bice Waleran (Edvige Valcarenghi).

Comenzó a trabajar en el cine muy joven, siendo con 20 años asistente de dirección en la película Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948), lo que le permitió participar en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa, como Quo Vadis (Mervyn Le Roy, 1951), Helena de Troya (Robert Wise, 1955), Ben-Hur (William Wyler, 1959) o Historia de una monja (Fred Zinnemann, 1959), además de sustituir por enfermedad al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya (1959), aunque no apareció en los créditos. Su debut oficial fue El coloso de Rodas (1960) tras la que sustituiría a Robert Aldrich en Sodoma y Gomorra (1962). Aldrich fue una influencia clave para Leone, por películas como Vera Cruz (1954), donde este se comenzaba a desmarcar claramente de los westerns clásicos.

Su fama llegó con Por un puñado de dólares, con la que comenzaba la llamada Trilogía del dólar, que se completa con las posteriores La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Además de crear el llamado Spaghetti western, subgénero muy utilizado en los años 60 y principios de los 70, dio a conocer al compositor Ennio Morricone, amigo desde la infancia del director, y a actores como Clint Eastwood, prácticamente desconocido en el cine hasta entonces, y Lee van Cleef. Tras ella filmó Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale, ¡Agáchate, maldito! (1971), con James Coburn y Rod Steiger, y la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América (1984), con Robert De Niro, James Woods y Elizabeth McGovern. En Europa fue un éxito, a pesar de sus 4 horas de duración, pero la Warner Bros recortó su metraje y alteró su montaje para el público estadounidense, eliminando sus característicos flashbacks, para lo que contrató a Zach Staenberg a espaldas de Leone, algo que enfrentó judicialmente a la productora y el director. Falleció en Roma, el 30 de abril de 1989, debido a problemas de corazón.

El crítico Ramón Freixas lo definió como "un moralista sin moral, un misógino feminista y un pacifista a tiros".

La película - Ríos de tinta corrieron desde que Sergio Leone decidió imprimir un nuevo sello a ese Western que solo habitaba en su cabeza, al que dio a luz con Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y concedió continuidad con La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965). Exceso de violencia gratuita, total desprecio por la diferencia entre el bien y el mal, sobreactuación de alguno de sus protagonistas, fueron algunos de los calificativos que su spaghetti western acaparó de los críticos mas puristas amantes del género, pero que sirvieron para crear obras únicas que perdurarán en la historia del cine, que continúan y continuarán haciendo las delicias de much@s de sus aficiona@s. El bueno, el feo y el malo no es mas que la confirmación de todo ello, en la que el realizador italiano consigue orquestar de manera magistral los jugosos ingredientes a los que tuvo acceso, cerrando con ella la inigualable Trilogía del dólar. 

Red Riding: 1983 - Anand Tucker (2009)

Título original - Red Riding: 1983 (The Red Riding Trilogy, Part 3) 

Año - 2009

Duración - 100 min.

País - Reino Unido 

Dirección - Anand Tucker

Guion - Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace

Música - Barrington Pheloung

Fotografía - David Higgs

Montaje - Trevor Waite

Producción - Wendy Brazington, Andrew Eaton y Anita Overland

Productora - Film4 Productions, Lipsync Productions, Revolution Films, Screen Yorkshire

Reparto - David Morrissey, Lisa Howard, Chris Walker, Shaun Dooley, Jim Carter, Warren Clarke, Sean Bean, Sean Harris, Steven Robertson, Michelle Dockery, Mark Addy, Daniel Mays, Robert Sheehan, Andrew Garfield, Peter Mullan, Saskia Reeves

Género - Intriga, Drama,  Crimen, Secuela, Asesinos en serie, Años 80, Telefilm

Anand Tucker es el realizador elegido para finalizar la trilogía con la que Tony Grisoni adapta las magníficas novelas de David Peace. Un digno fin de fiesta para un trabajo que abandera al Noir europeo actual, volviendo a mostrar, como bien hacen los británicos, que es posible hacer televisión de calidad, aunque hablemos de un producto no apto para todos los públicos. Un oscuro retrato de una sociedad enferma, que permitía a unos pocos vivir como Reyes mientras la mayoría de la población luchaba por sobrevivir. ¿Les suena de algo?

Sinopsis - Nueve años después, otro niño de Morley ha desaparecido en el trayecto desde su casa al colegio. El superintendente Maurice Jobson relaciona este nuevo caso con la desaparición de Clara Kemplay, que fue encontrada muerta en 1974, y con el encarcelamiento del joven Michael Myshkin. El abogado John Piggott, convencido de la inocencia de Myshkin, comienza a luchar en su defensa, proporcionando inconscientemente un catalizador a Jobson para poner las cosas en orden. 

El director - Anand Tucker es un director de cine y productor nacido en Bangkok, Tailandia, el 24 de junio de 1963. De padre indio y madre alemana, se mudó al Reino Unido a la edad de 18 años.​ Tiene un hijo con su pareja, la directora Sharon Maguire (El Diario de Bridget Jones).

Comenzó su carrera dirigiendo programas de televisión y anuncios comerciales. Debutó como director con Saint-Ex (1996), la biografía del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, el célebre autor de la inmortal 'El principito'. En su reparto aparecen Bruno Ganz, Miranda Richardson y Janet McTeer. Tras ella dirigió Hilary y Jackie (1998), un drama protagonizado por la siempre brillante Emily Watson, junto a Rachel Griffiths, James Frain y David Morrissey. Tras ello se pasó a la producción fundando la empresa Archer Street, de la que es copropietario. El primer trabajo producido fue La joven con el arete de perla (Peter Webber, 2003), con nombres como Scarlett Johansson, Colin Firth, Tom Wilkinson, Cillian Murphy o Judy Parfitt en su reparto. 

Prohibido enamorarse (Shopgirl) (2005) fue su siguiente trabajo en la dirección. Se trata de una Comedia romántica interpretada por Steve Martin, Claire Danes y Jason Schwartzman. Fue elegido para dirigir la trilogía La materia oscura de Philip Pullman, pero en mayo del 2006 fue substituido por Chris Weitz. En 2007 dirigió And When Did You Last See Your Father?, un drama basado en las conocidas memorias de Blake Morrison, al que da vida Colin Firth. Tras producir Incendiary (Sharon Maguire, 2008), con Michelle Williams y Ewan McGregor, dirigió Red Riding: 1983 (2009), tercera y última parte de la miniserie británica "Red Riding", compuesta por tres largometrajes  basados en las novelas negras de David Peace. Tenías que ser tú (2010) es su último trabajo para la gran pantalla. Una nueva Comedia romántica protagonizada por Amy Adams y Matthew Goode. En 2013 dirigió algún episodio de la serie Rogue y mas tarde dirigió junto a David Moore la serie El fin de un imperio (2015), un drama ambientado en los años 30, con la participación de Julie Walters, Nikesh Patel, Jemima West, Henry Lloyd-Hughes o Amber Rose Revah, entre otros.

La película - Red Riding: 1983 es el título del largometraje que completa la trilogía que adapta las magníficas novelas de David Peace. Un trabajo que comparte la oscuridad y densidad de los dos anteriores, pero que además nos permite cerrar muchas de las incógnitas que estos dejaron a su paso, tanto en el caso del sanguinario asesino de Yorkshire, como en la trama de corrupción que nos ha venido acompañando durante todos ellos. Ni qué decir tiene, qué es totalmente necesario disfrutar de los tres largometrajes en orden cronológico, para poder comprender todos los cabos sueltos que la trama va dejando a su paso.

La juventud (Youth) - Paolo Sorrentino (2015)

Título original - Youth - La giovinezza

Año - 2015

Duración - 118 min.

País - Italia

Dirección - Paolo Sorrentino

Guion - Paolo Sorrentino

Música - David Lang

Fotografía - Luca Bigazzi

Montaje - Cristiano Travaglioli

Vestuario - Carlo Poggioli

Dirección artística - Daniel Newton y Marion Schramm

Producción - Nicola Giuliano, Francesca Cima y Carlotta Calori

Productora - Co-production Italia-Suiza-Francia-Reino Unido; Indigo Film, Medusa Produzione, C-Films AG, Bis Films, Pathé, Number 9 Films

Reparto - Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Madalina Ghenea, Emilia Jones, Mark Kozelek, Anabel Kutay, Rebecca Calder, Ian Keir Attard, Roly Serrano

Género - Drama

Paolo Sorrentino escribe y dirige este espectáculo sensorial perfectamente orquestado llamado La giovinezza (Youth / La juventud en España). Sus peculiares personajes, sus brillantes diálogos y la capacidad que posee de plantear multitud de reflexiones y dilemas, lo hacen ser uno de los mejores trabajos que un servidor ha disfrutado recientemente. Cine que mas que entretener, que también, invita a utilizar nuestra mente para poder mantener joven el alma. Inolvidable.

Sinopsis - Fred Ballinger (Michael Caine), un gran director de orquesta, pasa unas vacaciones en un hotel de los Alpes con su hija Lena y su amigo Mick, un director de cine al que le cuesta acabar su última película. Fred hace tiempo que ha renunciado a su carrera musical, pero hay alguien que quiere que vuelva a trabajar; desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe.

El director - Paolo Sorrentino es un director y guionista de cine italiano nacido en Nápoles, el 31 de mayo de 1970. Junto con sus hermanos Marco y Daniela, sufrió la repentina pérdida de sus padres cuando tenía 17 años a causa de una fuga de gas. A esa edad comienza a estudiar economía y comercio, pero a los 25 años abandonó esos estudios para dedicarse al cine.

El cine de Sorrentino posee un estilo surrealista, barroco y existencialista que cuestiona constantemente el poder y la religión. El realizador rompe claramente las barreras del cine comercial, para contarnos las historias que quiere hacernos llegar con una sensibilidad estética que recuerda en algunos momentos al inolvidable Fellini.

Tras el cortometraje L'amore non ha confini (1998), su primer largometraje fue El hombre de más (2001), su primer trabajo junto al actor Toni Servillo, nominada a tres premios David de Donatello, incluidos los de mejor director y guionista. Tras el documental La primavera del 2002 (2002) y el curioso telefilm Sabato, domenica e lunedì (2004) que fusiona cine, televisión y teatro, dirigió Las consecuencias del amor (2004), protagonizada por Toni Servillo y Olivia Magnani, entre otros, con la que se alzó con los premios de la academia del cine italiano a Mejor película y dirección. Le siguieron El amigo de la familia (2006); Il divo (2008), que fue Premio del Jurado en Cannes; Un lugar donde quedarse (2011); La gran belleza (2013), con la que consiguió el Oscars, el Globo de Oro y el BAFTA como Mejor película de habla no inglesa; La juventud (2015), con la que se alzó con los premios como Mejor película, director y actor (Michael Caine), en los Premios del Cine Europeo; Loro 1 y 2 (2018), un biopic sobre el ex Primer ministro italiano y empresario Silvio Berlusconi, y Silvio (y los otros) (2018), en el que Toni Servillo da vida a Berlusconi. 

Sus próximos trabajos serán el drama ambientado en su Nápoles natal The Hand of God, donde aparecen nombres como Toni Servillo, Lino Musella, Lubomir Misak y Alfonso Perugini, y el drama Mob Girl, que nos cuenta la historia de Arlyne Brickman, una mujer que creció entre criminales y mafiosos en el Lower East Side de la ciudad de Nueva York. En su reparto destacan Jennifer Lawrence y Lucas Royalty. 

La película - Después de leer multitud de críticas sobre el trabajo que hoy nos ocupa, no puedo más qué resignarme e intentar llegar a entender el porqué no consigue llegar a un público más amplio, que consiga disfrutar de toda la riqueza y profundidad que el bueno de Sorrentino ha sido capaz de regalarnos de nuevo. Por un lado puedo llegar a asimilar qué a gran parte del público incluso le moleste la pomposidad con la que La juventud adorna su brillante continente, que no lleguen a entender como un trabajo que luce tal nombre, pueda estar interpretado por un grupo de adinerados burgueses en el ocaso de sus vidas, qué deambulan por un balneario de lujo, pero lo que me produce una enorme tristeza es comprobar cómo una gran cantidad de aficionados se quedan solo en eso, en el que para mí es un hermoso envoltorio, que el director utiliza como un mero vehículo con el que ahonda en multitud de temas trascendentales, que continúan rondando tu mente hasta mucho después de haberla finalizado.

Tres colores: Blanco (Three Colours: Blanc) - Krzysztof Kieślowski (1994)

Título original - Trois couleurs : Blanc

Año - 1994

Duración - 92 min.

País - Francia

Dirección - Krzysztof Kieślowski

Guion - Krzysztof Piesiewicz, Krzysztof Kieślowski

Música - Zbigniew Preisner

Fotografía - Edward Klosinski

Montaje - Urszula Lesiak

Producción - Marin Karmitz

Productora - Co-production Francia-Polonia-Suiza; MK2 Productions, CAB Productions, France 3 Cinéma, CAB Productions, Studio Filmowe TOR

Reparto - Zbigniew Bielawski, Julie Delpy, Janusz Gajos, Jerzy Stuhr, Grzegorz Warchol, Jerzy Nowak, Aleksander Bardini, Cezary Harasimowicz, Jerzy Trela, Juliette Binoche, Florence Pernel

Género - Comedia, Drama, Comedia dramática

Krzysztof Kieślowski escribe junto a Krzysztof Piesiewicz y dirige, la segunda de las películas dedicadas a los colores de la bandera francesa y a los ideales que estos representan. Un trabajo que aborda la igualdad desde un punto de vista muy particular, utilizando para ello un ejemplo tan conflictivo como actual, dejando muestras de nuevo de su enorme habilidad para tratar los temas mas groseros de la forma mas amable posible. Cine con alma propia que pretende despertar conciencias sin llegar a infligir daños innecesarios. Una delicia que pasa volando ante nuestros ojos.

Sinopsis - Karol (Zbigniew Zamachowski) es un inmigrante polaco casado con Dominique (Julie Delpy), una francesa a la que ama profundamente. Tras ella presentar una demanda de divorcio, debido a que él sufre un problema de impotencia supuestamente temporal, Karol se verá solo en las calles de la ciudad. Gracias a la ayuda de Mikolaj (Janusz Gajos), un compatriota que lo encuentra interpretando melodías de su Polonia natal en el metro, decidirá regresar a su país para intentar rehacer su vida.

El director - Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. 

Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. 

Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su trabajo más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a los colores de la bandera francesa y a lo que representan, de cuya segunda película nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película - Tras la inolvidable Tres colores: Azul, de la que os hablamos en este artículo, hoy os traemos la segunda parte de la trilogía que el director dedicó a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan. Su nombre es Tres colores: Blanco, simbolizando este blanco impoluto a la igualdad, un derecho tantas veces exigido cómo pocas veces respetado. Sin entrar en comparaciones odiosas, si me gustaría dejar claro que este nuevo trabajo nada tiene que ver con el primero, por lo que aunque pertenezca a la misma trilogía que Azul, poco o nada tienen en común, aparte de su realizador, claro está. Por otro lado, comentarles que es igualmente disfrutable que el anterior, poseyendo sus propias señas de identidad, además de la inconfundible firma de Kieślowski.

Red Riding: 1980 - James Marsh (2009)

Título original - Red Riding: 1980 (The Red Riding Trilogy, Part 2)

Año - 2009

Duración - 97 min.

País - Reino Unido

Dirección - James Marsh

Guion - Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace

Música - Dickon Hinchliffe

Fotografía - Igor Martinovic

Montaje - Jinx Godfrey 

Producción - Wendy Brazington, Andrew Eaton y Anita Overland

Productora - Film4 Productions, Lipsync Productions, Revolution Films, Screen Yorkshire

Reparto - Warren Clarke, Paddy Considine, James Fox, David Calder, Nicholas Woodeson, Ron Cook, Maxine Peake, Tony Pitts, Jim Carter, David Morrissey, Eddie Marsan, Peter Mullan, Robert Sheehan, Joseph Mawle

Género - Intriga. Drama, Telefilm

Red Riding: 1980 es el título de la segunda entrega de la trilogía The Red Riding Trilogy, que adapta las excelentes novelas de David Peace. Con James Marsh al cargo de la dirección, el guion de Tony Grisoni y la lograda fotografía de Igor Martinovic, estamos ante un trabajo que mantiene la atmósfera y la oscuridad del anterior, aunque difiere de este en varios apartados, algo lógico por el cambio en la dirección. Lo que si se mantiene es la enérgica denuncia a la impunidad y la corrupción que imperaban en el departamento de policía y los poderes públicos de la época en las Islas.

Sinopsis - En los años 80, el denominado destripador de Yorkshire, lleva seis años asesinando sin que se tenga ninguna pista de su identidad. Tras la aparición de una nueva víctima, el Ministerio del Interior recurre a Peter Hunter (Paddy Considine), uno de los detectives más eficaces de Manchester, para que se haga cargo de una revisión secreta del caso. En 1974, Hunter no había podido completar la investigación de un tiroteo, en el que estaban implicados varios policías de Yorkshire, pero en esta ocasión está decidido a llegar hasta el final. 

El director - James Marsh es un cineasta y documentalista británico nacido en Truro, Reino Unido, el 30 de abril de 1963. Se formó en la Universidad de Oxford y mas tarde en el St Catherine's College, donde se graduó en lengua inglesa. 

Comenzó su carrera como director realizando documentales para la BBC. Su primer documental fue Troubleman – The Last Years of Marvin Gaye (1990), al que siguieron Jan Svankmajer: The Animator of Prague (1990), The Burger and the King: The Life and Cuisine of Elvis Presley (1995) y John Cale (1998). Su primer largometraje de ficción fue el drama histórico Wisconsin Death Trip (1999), 

En 2005 dirigió junto a Basia Winograd el documental The Team. Tras el llegó el drama El Rey (2005), con la participación de Gael García Bernal, Laura Elena Harring y William Hurt. Man on Wire (2008) fue un documental sobre el funambulista francés Philippe Petit que, el 7 de agosto de 1974, logró de manera ilegal caminar sobre un alambre tendido entre las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York. Tras Red Riding: 1980 (2009), filmó el documental Proyecto Nim (2011); el thriller Agente doble (2012), con Andrea Riseborough, Clive Owen, Aidan Gillen y Gillian Anderson; el drama biográfico La teoría del todo (2014), interpretado por Eddie Redmayne y Felicity Jones, por la que recibió 5 nominaciones a los Óscars; participó en la miniserie The Night Of (2016); el drama Rey de ladrones (2018), con Michael Caine a la cabeza y el drama romántico Un océano entre nosotros (2018), con Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis y Jonathan Bailey. Actualmente trabaja en Instrumental (2022), la adaptación cinematográfica de la autobiografía del pianista británico James Rhodes. 

La película - Resulta curioso comprobar como, tal como diría mi abuela que en paz descanse, en todos sitios cuecen habas. Y es que en la turbulenta condición y en la naturaleza del ser humano va implícita esa codicia que hace que tarde o temprano aflore la corrupción y el ansia de poder y riquezas. No iba a ser menos el pomposo y orgulloso Imperio británico, acostumbrado a mostrar un aire de estabilidad seguridad al mundo entero, que sabe esconder lo que es mas visible y evidente en otros lugares. Dicho de otro modo, que saben lavar sus trapos sucios en casa mejor que lo hacemos otros. 

La muerte tenía un precio (Trilogía del dólar) - Sergio Leone (1965)

Título original - Per qualche dollaro in più (For a Few Dollars More)

Año - 1965

Duración - 132 min.

País - Italia

Dirección - Sergio Leone

Guion - Sergio Leone y Luciano Vincenzoni

Música - Ennio Morricone

Fotografía - Massimo Dallamano

Montaje - Eugenio Alabiso, Adriana Novelli y Giorgio Serrallonga

Escenografía - Rafael Ferri Jorda

Vestuario - Carlo Simi

Producción - Alberto Grimaldi y Arturo González

Productora - Co-producción Italia-España-Alemania; Produzioni Europee Associati (PEA)

Reparto - Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Mara Krupp, Luigi Pistilli, Klaus Kinski, Joseph Egger, Panos Papadopulos, Benito Stefanelli, Roberto Camardiel, Aldo Sambrell, Luis Rodríguez, Tomás Blanco, Lorenzo Robledo, Dante Maggio, Sergio Mendizábal, Diana Rabito, Giovanni Tarallo, Mario Meniconi, Mario Brega

Género - Western, Spaghetti Western, Venganza, Película de culto

Tras la ráfaga de aire fresco que supuso Por un puñado de dólares, aun sin haberse llegado a estrenar en Estados Unidos, el realizador Sergio Leone se propuso continuar su, a la postre inolvidable, Trilogía del dólar, para la que volvió a contar con la maravillosa banda sonora del maestro Ennio Morricone y el inconfundible Clint Eastwood, añadiendo de forma mas que acertada la participación de Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Una delicia que te lleva en volandas de principio a fin.

Sinopsis - El Indio (Gian Maria Volonté) es un despiadado asesino que consigue escapar de prisión

con la ayuda de su temible banda. Joe (Clint Eastwood), un pistolero solitario al que algunos llaman Manco, decide ir a su caza para reclamar la jugosa recompensa que por el ofrecen, aunque no es el único, ya que el coronel Douglas Mortimer (Lee van Cleef), un ex oficial del ejercito metido a cazarrecompensas tiene el mismo objetivo. Ambos unirán sus fuerzas para conseguirlo, aunque en realidad los mueven motivos muy diferentes.

El director - Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano nacido en Roma, el 3 de enero de 1929. Era hijo del director de cine Roberto Roberti (seudónimo de Vincenzo Leone) y la actriz de cine mudo Bice Waleran (Edvige Valcarenghi).

Comenzó a trabajar en el cine muy joven, siendo con 20 años asistente de dirección en la película Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948), lo que le permitió participar en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa, como Quo Vadis (Mervyn Le Roy, 1951), Helena de Troya (Robert Wise, 1955), Ben-Hur (William Wyler, 1959) o Historia de una monja (Fred Zinnemann, 1959), además de sustituir por enfermedad al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya (1959), aunque no apareció en los créditos. Su debut oficial fue El coloso de Rodas (1960) tras la que sustituiría a Robert Aldrich en Sodoma y Gomorra (1962). Aldrich fue una influencia clave para Leone, por películas como Vera Cruz (1954), donde este se comenzaba a desmarcar claramente de los westerns clásicos.

Su fama llegó con Por un puñado de dólares, con la que comenzaba la llamada Trilogía del dólar, que se completa con las posteriores La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966). Además de crear el llamado Spaghetti western, subgénero muy utilizado en los años 60 y principios de los 70, dio a conocer al compositor Ennio Morricone, amigo desde la infancia del director, y a actores como Clint Eastwood, prácticamente desconocido en el cine hasta entonces, y Lee van Cleef. Tras ella filmó Hasta que llegó su hora (1968), con Henry Fonda, Charles Bronson y Claudia Cardinale, ¡Agáchate, maldito! (1971), con James Coburn y Rod Steiger, y la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América (1984), con Robert De Niro, James Woods y Elizabeth McGovern. En Europa fue un éxito, a pesar de sus 4 horas de duración, pero la Warner Bros recortó su metraje y alteró su montaje para el público estadounidense, eliminando sus característicos flashbacks, para lo que contrató a Zach Staenberg a espaldas de Leone, algo que enfrentó judicialmente a la productora y el director. Falleció en Roma, el 30 de abril de 1989, debido a problemas de corazón.

El crítico Ramón Freixas lo definió como "un moralista sin moral, un misógino feminista y un pacifista a tiros".

La película - Cuentan que cuando Sergio Leone le propuso a Alberto Grimaldi (su nuevo productor) continuar con su trilogía tras el enorme éxito en la taquilla italiana de Por un puñado de dólares, este aceptó de buen grado con la condición de que Clint Eastwood continuara interpretando al "Hombre sin nombre". Este no estaba en condiciones de contestar, puesto que la primera película no se había estrenado en Estados Unidos y el ni la había visto. Al no estar aun traducida al inglés, Leone le mandó una copia en italiano, que Eastwood disfrutó en una proyección que realizó para un reducido grupo de amigos. Quedaron tan encantados que rápidamente dio el si quiero.