El maquinista (The Machinist) - Brad Anderson (2004)

Título original - The Machinist

Año - 2004

Duración - 100 min.

País - España 

Dirección - Brad Anderson

Guion - Scott Kosar

Música - Roque Baños

Fotografía - Xavi Giménez

Montaje - Luis de la Madrid

Producción - Carlos Fernández, Julio Fernández y Antonia Nava

Productora - Castelao Productions

Reparto - Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, Michael Ironside, John Sharian

Género - Thriller, Drama / Thriller psicológico, Drama psicológico, Surrealismo, Película de culto

Brad Anderson fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guion de Scott Kosar. Ayudado por la inquietante fotografía de Xavi Giménez, la apropiada banda sonora de Roque Baños y el inmenso trabajo de un Christian Bale que borda su papel, estamos ante un thriller psicológico que nos invita a adentrarnos en la mente de su protagonista e intentar saber junto a el que le está ocurriendo. Mas que muy recomendable, imprescindible. Hay situaciones y lugares en este mundo, que por muy grandes que nos parezcan, solo tienen una salida.

Sinopsis - Trevor Reznik (Christian Bale), un empleado de una fábrica, padece desde hace un año un grave problema de insomnio, un mal que él oculta y que le provoca terribles alucinaciones. Debido a la fatiga se ha deteriorado tanto su salud física como su salud mental. Repelidos por su aspecto físico, sus compañeros de trabajo primero le evitan, y después se volverán contra él cuando ocurre un accidente en el que Trevor se ve involucrado.

El director - Brad Anderson es un director de cine estadounidense nacido en Madison, Connecticut, en 1964. Hijo de Pamela Taylor Anderson, una administradora de servicios comunitarios, es sobrino de la actriz Holland Taylor, ganadora de un Premio Emmy. Antes de comenzar su carrera cinematográfica, asistió al Bowdoin College, donde se especializó en antropología y ruso. Luego fue a Londres para terminar su educación cinematográfica en la London Film School, antes de regresar a Boston.

Tras el cortometraje ¡El planeta de los monstruos de Frankenstein! (1995), debutó con la comedia dramática independiente The Darien Gap (1996), tras la que dirigió las comedias románticas Próxima parada Wonderland (1998), con Hope Davis, Alan Gelfant y Victor Argo, y Happy Accidents (2000), con Marisa Tomei, Vincent D'Onofrio y Nadia Dajani. Seguidamente se pasó al terror psicológico con Session 9 (2001), protagonizada por David Caruso, Stephen Gevedon y Paul Guilfoyle. Infructuosa en taquilla, la película ha ganado desde entonces el estatus de película de culto. Le siguió su obra más notable hasta la fecha, El maquinista (2004), protagonizada por Christian Bale. La película se hizo conocida por la dramática pérdida de peso de Bales (28 kilos) para el papel principal, y por su guión, escrito por Scott Kosar.

Sus dos siguientes películas fueron Transsiberian (2008), un thriller protagonizado por Woody Harrelson, Emily Mortimer y Ben Kingsley, y la película de terror Vanishing on 7th Street (2010), protagonizada por Hayden Christensen, John Leguizamo y Thandie Newton. Tras ellas dirigió The Call (La última llamada, 2013), un thriller protagonizado por Halle Berry y Abigail Breslin. Asylum: El experimento (también conocida como Eliza Graves) se estrenó en 2014, con Kate Beckinsale, Jim Sturgess, David Thewlis y Ben Kingsley en los papeles principales. Anderson dirigió tras ella el thriller de espionaje El Rehén (Beirut) (2018), protagonizado por Jon Hamm y Rosamund Pike. Tras ella dirigió el thriller de intriga Fractura (2019) para Netflix, protagonizada por Sam Worthington, Lily Rabe, Stephen Tobolowsky y Adjoa Andoh.

La película - Echando la vista atrás antes de escribir este artículo, la primera película que se me ha venido a la mente es la magnífica Dallas Buyers Club, de la que os hablamos en este artículo, y no precisamente porque sean comparables o simplemente se parezcan, sino por el cambio físico al que se sometieron sus actores principales para poder dar vida a sus personajes. En aquella ocasión Matthew McConaughey interpretaba a Ron Woodroof, un paciente de VIH, papel para el que tuvo que perder 23 kg, mientras que Jared Leto daba vida a Rayon, una mujer transgénero, para el que perdió 14 kg. Ambos consiguieron alzarse con el Oscar, el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores y el Critics' Choice Movie Awards, como mejor actor principal y mejor actor secundario, respectivamente. En el caso que hoy nos ocupa, el actor Christian Bale perdió la friolera de 28 kilos, lo que redujo su masa corporal a solo 50 kilos, que hubieran sido menos si los productores no lo hubieran obligado a parar. Tras ello no solo recuperó su peso original, sino que a base de una buena alimentación y mucho gimnasio, ganó 30 kilos mas para preparar su personaje en Batman Begins. Una locura.

Le llamaban Jeeg Robot (They Call Me Jeeg) - Gabriele Mainetti (2015)

Título original - Lo chiamavano Jeeg Robot

Año - 2015

Duración - 112 min.

País - Italia 

Dirección - Gabriele Mainetti

Guion - Nicola Guaglianone y Menotti, basado en una historia de Nicola Guaglianone

Música - Michele Braga, Gabriele Mainetti

Fotografía - Michele D'Attanasio

Montaje - Andrea Maguolo

Producción - Gabriele Mainetti

Productora - Goon Films, RAI, Ministero per i Beni e le Attività Culturali

Reparto - Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei, Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo, Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro

Género - Thriller, Drama, Fantástico / Superhéroes, Mafia

Gabriele Mainetti consiguió en 2015 estrenar el que sería su primer largometraje, tras cinco largos años buscando financiación en vano. El tono de la película no agradaba a los productores, por lo que tuvo que buscarse la vida para conseguir filmar este brillante drama social disfrazado de película de superheroes, que tiene en su tono realista, el desarrollo de sus personajes y el perfecto equilibrio entre drama, acción y ciertos toques de humor, sus mejores bazas. Me ha sorprendido gratamente.

Sinopsis - Enzo Ceccoti (Claudio Santamaría), un convicto, entra en contacto con una sustancia radioactiva. Tras el accidente descubre que tiene una fuerza sobrehumana, por lo que decide utilizar sus poderes para comenzar una carrera criminal. Todo cambia, no obstante, cuando conoce a Alessia (Ilenia Pastorelli), una chica que está convencida de que él es el héroe del manga Jeeg Steel.

El director - Gabriele Mainetti es un actor, guionista, director, compositor y productor italiano nacido el 7 de noviembre de 1976. Se graduó en Historia y Crítica de Cine en la Universidad de Roma. Asistió a cursos de dirección, dirección de fotografía, producción y escritura en la Tisch School of the Arts de Nueva York. Su formación como actor está vinculada a los talleres y cursos celebrados en Roma por Beatrice Bracco, Francesca De Sapio, Nicolaj Karpov y Michael Margotta. Comenzó su carrera en la industria del cine como actor de comedias menores y series de televisión.

Como director, debutó con bastante repercusión gracias a su primer cortometraje titulado Basette (2008), un homenaje a la serie manga creada e ilustrada por Monkey Punch y publicada por la revista japonesa Weekly Manga Action, Lupin III. En 2011 fundó la productora Goon Films, con la que dirigió el corto Tiger Boy (2012), un drama adolescente sobre pedofilia por el que fue galardonado con un Nastro d'argento, uno de los premios mas prestigiosos del cine italiano, aunque mediáticamente ha sido eclipsado en las últimas décadas por el David de Donatello. 

Su primer largometraje fue Le llamaban Jeeg Robot (2015), del que hoy nos ocupamos. En el se mezclan thriller, drama y cine fantástico para contarnos la historia de un delincuente que adquiere poderes tras entrar en contacto con una sustancia tóxica. Elogiado por público y crítica, ha ganado varios premios italianos de importancia, entre los que destacan los premios David di Donatello como Mejor Director Novel y Mejor Productor. Tras el dirigió Ningyo (2016), un cortometraje fantástico protagonizado por Alessandro Borghi y Aurora Ruffino.

El largometraje Freaks Out estaba programado para ser lanzado el 16 de diciembre de 2020, pero se retrasó a una fecha desconocida de 2021, debido a la pandemia por la COVID-19. Se trata de un drama ambientado en los años 40, durante la segunda guerra mundial, que cuenta entre su reparto con nombres como Claudio Santamaria, Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Giancarlo Martini, Giorgio Tirabassi o Max Mazzotta. Habrá que estar atentos para ver sus resultados.

La película - El cine de superheroes no es lo mio, de eso no tengo ninguna duda. Existen miles de compañeros, profesionales o no, capaces de redactar artículos a los que yo ni siquiera puedo acercarme, principalmente porque por lo general no suelo consumir este tipo de productos, no me llenan como debieran, por lo que prefiero dedicar mi tiempo a otro tipo de cine, tanto a verlo como a escribir sobre el. Cuestión de gustos, nada mas. Cuando un buen amigo, del que me fio bastante en cuanto a gustos, me recomendó insistentemente el visionado de esta Lo chiamavano Jeeg Robot, he de reconocer que fui bastante exceptico, por los motivos que les he descrito. Finalmente decidí darle una oportunidad, algo que ha resultado una experiencia bastante satisfactoria, ya que en este peculiar trabajo se aunan algunos géneros que consiguen crear una película que, ante todo, resulta extrañamente realista, algo que para películas así es poco menos que impensable.

Tres colores: Rojo (Three Colours: Red) - Krzysztof Kieślowski (1994)

Título original - Trois couleurs : Rouge (Three Colours: Red)

Año - 1994

Duración - 99 min.

País - Francia

Dirección - Krzysztof Kieślowski

Guion - Krzysztof Piesiewicz y Krzysztof Kieślowski

Música - Zbigniew Preisner

Fotografía - Piotr Sobocinski

Montaje - Jaques Witta

Escenografía - Claude Lenoir

Vestuario - Corinne Jorry

Sonido - Jean Claude Laureaux

Maquillaje - Nathalie Tanner

Producción - Marin Karmitz 

Productora - Coproducción Francia-Polonia-Suiza; MK2 Productions, CAB Productions, France 3 Cinéma, CAB Productions, Studio Filmowe TOR

Reparto - Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean-Pierre Lorit, Frédérique Feder, Samuel Le Bihan, Marion Stalens, Cécile Tanner, Juliette Binoche, Julie Delpy, Benoît Régent, Zbigniew Bielawski

Género - Drama

Krzysztof Kieślowski escribió junto a Krzysztof Piesiewicz y dirigió Tres colores: Rojo (Three Colours: Red), drama que le sirvió para completar la trilogía que dedicó a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan. Una excelente muestra del Cine del realizador polaco, que cuenta con la fotografía de Piotr Sobocinski, la magnífica banda sonora de Zbigniew Preisner y el protagonismo del duo formado por Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant. Para un servidor, imprescindible, y no solo esta, sino la trilogía completa.

Sinopsis - Valentina, una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de un perro atropellado por un coche. La búsqueda de su dueño la conduce a un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. Si antes el espionaje telefónico formaba parte de su trabajo, ahora se ha convertido en un vicio. A Valentina le desagrada la conducta del hombre, pero no puede evitar ir a verlo. 

El director - Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. 

Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. 

Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su obra más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a los colores de la bandera francesa y a lo que representan: Azul, de la que os hablamos en este artículo, Blanco, de la que os hablamos aquí, y Rojo, tercera película de la que nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película - Three Colours: Red es la película que le sirvió al maestro Krzysztof Kieślowski para cerrar su maravillosa trilogía dedicada a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan, su última contribución a que un medio nacido con aspiraciones de mero entretenimiento llamado Cine, pueda ser considerado como lo que es para un servidor, un hermoso arte. Como ocurre con las dos anteriores, Rojo es un trabajo muy diferente a los otros dos, que posee un alma propia, aunque lógicamente podemos encontrar en el las señas de identidad características del realizador polaco. En este caso el rojo simboliza la fraternidad, la solidaridad, aunque al ser la que cierra la trilogía, se realiza una especie de puesta en común en la que la libertad (azul) y la igualdad (blanco) están igualmente representadas, aunque en menor medida, claro está.

Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016)

Título original - Que Dios nos perdone

Año - 2016

Duración - 125 min.

País - España 

Dirección - Rodrigo Sorogoyen

Guion - Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña

Música - Olivier Arson

Fotografía - Álex de Pablo

Montaje - Alberto del Campo y Fernando Franco

Producción - Mercedes Gamero, Gerardo Herrero, Mikel Lejarza

Productora - Tornasol Films, Atresmedia Cine, Mistery Producciones AIE, Hernández y Fernández P.C

Reparto - Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, Raúl Prieto, María de Nati, María Ballesteros, José Luis García Pérez, Mónica López, Rocío Muñoz-Cobo, Teresa Lozano, Francisco Nortes, Andrés Gertrudix, Jesús Caba, Alfonso Bassave, Raquel Pérez, Javier Tolosa, Josean Bengoetxea, Aitor Calderón

Género - Thriller, Drama / Policíaco, Asesinos en serie, Crimen, Neo-noir

Disponibilidad - Netflix, Amazon Prime Video y HBO

Rodrigo Sorogoyen escribe junto a Isabel Peña y dirige Que Dios nos perdone, un magnífico thriller con inconfundible aroma a cine negro, que hará igualmente las delicias de los aficionados al policiaco de calidad. Con la magnífica fotografía de Álex de Pablo, la propicia banda sonora de Olivier Arson y el homogeneo trabajo de su reparto, con Antonio de la Torre y Roberto Álamo a la cabeza, estamos ante uno de esos trabajos que agarran al espectador desde el primer instante y ya no lo sueltan hasta su conclusión. Tan efectiva como realista.

Sinopsis - Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie cuanto antes y sin hacer ruido. Esta caza contrarreloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

El director - Rodrigo Sorogoyen es un director de cine, realizador y guionista español, nacido en Madrid, el 16 de septiembre de 1981. Es nieto y sobrino de los directores de cine Antonio del Amo y José Luis Madrid.​ Se licenció en Historia por la Universidad Complutense de Madrid. En 2001, estudió Guion Cinematográfico en la Escuela de Cine Septima Ars de Madrid. En 2004, se matriculó en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid (ECAM) y comenzó sus primeros trabajos como guionista en conocidas series de ficción.

En 2008 codirigió la película 8 citas, en colaboración con Peris Romano. La cinta, rodada en Madrid, es una comedia romántica a través de ocho historias, con Fernando Tejero, Belén Rueda, Verónica Echegui, Jordi Vilches, Raúl Arévalo, Ana Wagener, Miguel Ángel Solá o Arturo Valls. En 2010, junto a tres compañeros de la ECAM, fundó la productora Caballo Films. Ha dirigido una veintena de telefilmes para series como Impares (2008), La pecera de Eva (2010), Vida loca (2011) o Frágiles (2013). En 2013 se estrenó Stockholm, su primer trabajo en solitario, con guion escrito junto a Isabel Peña. Financiada por crowdfunding, la cinta fue galardonada con tres Biznagas de Plata en el Festival de Cine de Málaga. Además obtuvo una mención especial, el premio Signis a la mejor película y el premio del Jurado Joven también a la mejor película. Sorogoyen obtuvo el galardón al mejor director y el premio al mejor guion novel, junto a su coguionista Isabel Peña. Uno de sus protagonistas, Javier Pereira, recibió el Goya al mejor actor revelación. 

El thriller Que Dios nos perdone (2016), con guion de Isabel Peña y el propio Sorogoyen, contó con actores como Antonio de la Torre, Javier Pereira o Roberto Álamo. Este último ganó por su interpretación en ella el Goya, el Premio Feroz y el Premio Forqué como mejor actor. La película ganó el premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián. Su siguiente trabajo fue el thriller El reino, que trata sobre la corrupción en España, fue el gran vencedor de los premios Feroz 2019, logrando 5 de las 10 estatuillas a las que optaba: mejor película dramática, director, actor protagonista (Antonio de la Torre), actor de reparto (Luis Zahera) y guion junto a Isabel Peña. También ganó el premio Goya a la mejor dirección y al guion original, compartido con Isabel Peña. Su siguiente trabajo fue el drama Madre (2019), con Marta Nieto y Jules Porier. Su último trabajo ha sido la miniserie Antidisturbios (2020), un thriller con nombres como Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Hovik Keuchkerian, Álex García, Roberto Álamo o Raúl Prieto.

La película - Creo que quien me lea, aunque sea de vez en cuando, sabrá ya de sobra que el cine negro es una de mis grandes pasiones, dentro de este arte que tanto me ha dado y al que intento reivindicar siempre que me es posible. En nuestro país tenemos la suerte de disponer de un grupo de directores que han encontrado en el género la forma ideal de contarnos buenas historias, retratando de paso a la agitada sociedad donde vivimos, consiguiendo resultados magníficos que poco o nada tienen que envidiar a los que se realizan en el resto del mundo. Que Dios nos perdone no es mas que una buena muestra de la excelente salud del llamado Neo-noir en nuestro país, en el que Rodrigo Sorogoyen consigue con maestría que nos metamos en la historia desde el primer minuto, deambulando además entre personajes y localizaciones que nos son muy familiares, algo que no hace mas que potenciar la sordida trama de su magnífica película.

El manantial de la doncella (The Virgin Spring) - Ingmar Bergman (1960)

Título original - Jungfrukällan (The Virgin Spring)

Año - 1960

Duración - 88 min.

País - Suecia 

Dirección - Ingmar Bergman

Guion - Ulla Isaksson

Música - Erik Nordgren

Fotografía - Sven Nykvist 

Montaje - Oscar Rosander

Vestuario - Marik Vos-Lundh

Diseño de producción - P.A. Lundgren

Producción - Ingmar Bergman y Allan Ekelund

Productora - Svensk Filmindustri (SF)

Reparto - Max von Sydow, Birgitta Valberg, Gunnel Lindblom, Birgitta Pettersson, Axel Düberg, Allan Edwall, Tor Isedal

Género - Drama / Siglo XIV, Edad Media, Abusos sexuales, Venganza

El manantial de la doncella es el nombre de la película que permitió al realizador sueco Ingmar Bergman alzarse con su primer Óscar a la mejor película de habla no inglesa, además del Globo de Oro. Con un guion de Ulla Isaksson, que adapta una antigua leyenda nórdica, la excelente fotografía de Sven Nykvist y el magnífico trabajo de todo su reparto, estamos ante uno de esos trabajos que suelen dejar una profunda huella en el espectador que decida adentrarse en su aparente sencillez. Cine de autor no válido para todos los paladares, de una factura intachable y una profundidad y riqueza poco comunes en el cine de hoy día. Cine con aroma a teatro.

Sinopsis - Suecia, siglo XIV. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre (Max von Sydow) envía a su hija Karin (Birgitta Pettersson) en compañía de Ingrid (Gunnel Lindblom), una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida.

El director - Hablar de Ingmar Bergman es hablar de uno de esos genios admirados e incomprendidos a partes iguales. Su trabajo, inconfundible y con señas propias de identidad, perdura en el tiempo como perduran las obras de aquellos que son capaces de dejar su impronta en todo lo que crean, realizando trabajos que a nadie dejan indiferentes.

Hijo de un pastor luterano, creció bajo una educación "basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios", como el mismo indica en sus memorias, "Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba". Esto condicionó su vida y, por supuesto, su obra, trasladando en muchas ocasiones sus experiencias y las consecuencias que en el tuvieron. La muestra mas clara de ello es Fanny y Alexander, su último trabajo, en el que Alexander es un niño de 10 años que representa al propio director. Con ella ganaría el Óscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, poniendo un broche de oro a una magistral carrera y dedicándose a su amado teatro.

Toda su obra merece ser disfrutada, pero os dejo algunos títulos que podría destacar, siempre desde mi humilde punto de vista: El séptimo sello (1956), Fresas salvajes (1957), El rostro (1958), El manantial de la doncella (1959), Persona (1966), La vergüenza (1968) y La hora del lobo (1968), de la que os hablamos en este artículo, además de la ya mencionada Fanny y Alexander (1982), unos cuantos ejemplos dentro de una jugosa filmografía que bien merece ser tenida en cuenta a la hora de valorar a los mejores directores que ha dado el séptimo arte, entre los que seguro se encuentra Ingmar Bergman.

El director falleció a los 89 años, el 30 de julio de 2007, en la isla de Fårö, donde se había retirado. Un nefasto día para el mundo del cine, ya que fue una jornada en la que falleció también el cineasta italiano Michelangelo Antonioni. Se nos fueron dos de los mas grandes en un solo día.

La película - El realizador Ingmar Bergman ganó con El manantial de la doncella el primero de los tres Óscar a la mejor película de habla no inglesa (junto a Como en un espejo y Fanny y Alexander), igualando a Vittorio De Sica (El limpiabotas, Ladrón de bicicletas y Ayer, hoy y mañana) y solo por detrás de Federico Fellini (La strada, Las noches de Cabiria, 8½ y Amarcord). Un logro que, como pueden comprobar, está solo al alcance de un selecto grupo de realizadores que suelen integrar las listas de los mejores realizadores de la historia de cualquier medio de comunicación, crítico especializado o aficionado al cine. Tal como os he comentado anteriormente, en esta obra podemos comprobar de primera mano como su infancia gravó a fuego en el director muchos de los temas de los que esta toca, que son recurrentes en el cine que realizaba, sobre todo en esta segunda etapa del director, en la que la religión y la aparente ausencia o inacción de Dios suelen estar siempre presentes.

Los falsificadores - Stefan Ruzowitzky (2007)

Título original - Die Fälscher (The Counterfeiters)

Año - 2007

Duración - 98 min.

País - Austria 

Dirección - Stefan Ruzowitzky

Guion - Stefan Ruzowitzky, adaptando una historia de Adolf Burger

Música - Marius Ruhland

Fotografía - Benedict Neuenfels

Montaje - Britta Nahler

Producción - Josef Aichholzer, Nina Bohlmann y Babette Schröder

Productora - Co-production Austria-Alemania;

Reparto - Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt

Género - Drama / Nazismo, Holocausto, Años 30, Basado en hechos reales

El realizador austriaco Stefan Ruzowitzky adapta una historia de Adolf Burger y dirige la película Los falsificadores, una coproducción entre Austria y Alemania que pone sus ojos en la conocida como Operación Bernhard, un plan de Tercer Reich para falsificar moneda y provocar un colapso de la economía británica durante la Segunda Guerra Mundial, visto desde los ojos de los judíos que fueron utilizados para ejecutarlo. Destacar la fotografía de Benedict Neuenfels, la hermosa banda sonora de Marius Ruhland y el magnífico trabajo del actor Karl Markovics. Se llevó el Oscar como Mejor película de habla no inglesa en 2008.

Sinopsis - Berlín, 1936. Salomon Sorowitsch (Karl Markovics), el rey de los falsificadores de moneda, es un judío sin escrúpulos que cree que "la manera más rápida de ganar dinero es fabricar dinero" y no le preocupa en absoluto lo que está sucediendo a su alrededor, ni siquiera la situación de los judíos. Sin embargo, cuando estalla la guerra, es arrestado y llevado a un campo de concentración nazi, donde se ve obligado a trabajar con otros falsificadores, para intentar salvar su vida acosta de ayudar al enemigo a financiar sus ejércitos y desestabilizar la moneda británica, un enorme dilema moral.

El director - Stefan Ruzowitzky es un director de cine austriaco nacido en Viena, el 25 de diciembre de 1961. Estudió arte dramático e historia en la Universidad de Viena. Comenzó dirigiendo videos musicales para grupos como 'N Sync', además de realizar anuncios publicitarios.

Su debut cinematográfico fue con la comedia dramática Tempo (1996), en la que trata temas como la homosexualidad, protagonizada por Xaver Hutter y Anne Mertin. Con su siguiente trabajo, el thriller Los herederos (1998), con Sophie Rois, Simon Schwarz y Lars Rudolph, obtuvo el galardón como Mejor Película en el festival de cine de Rotterdam, así como en el Festival de Cine de Flandes. También obtuvo un premio en el Festival Internacional de Cine de Valladolid. Tras ella se adentró en el género del terror con Anatomía (2000), protagonizada por Franka Potente, que podemos posicionar entre los trabajos tipo Scream. 

Al año siguiente estrenó All the Queen's Men (2001), un trabajo que combina cine bélico, comedia y acción, protagonizado por Matt LeBlanc, Eddie Izzard, James Cosmo y Nicolette Krebitz; Tras ella dirigió la secuela Anatomía 2 (2003), con nombres como Barnaby Metschurat, Herbert Knaup, Heike Makatsch y Roman Knizka: tras un pequeño parón presentó Los falsificadores (2007), con la que ganó el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, interpretada por Karl Markovics, August Diehl y Devid Striesow; Tras ella llegaron la prescindible Kika Superbruja y el libro de hechizos (2009); el thriller La huida (Dead Fall, 2012), con Eric Bana, Olivia Wilde, Charlie Hunnam, Sissy Spacek y Kris Kristofferson, de la que os hablamos en este artículo; el documental Radical Evil (2013); el thriller Cold Hell (Die Hölle, 2017), con Violetta Schurawlow y Tobias Moretti en su reparto; la discreta Paciente cero (2018), una película de terror sobre una pandemia que ha eliminado a gran parte de la población convirtiéndola en seres violentos, con Matt Smith, Natalie Dormer, Stanley Tucci y Clive Standen; su último trabajo ha sido el drama ambientado en la edad media Narciso y Goldmundo (2020), protagonizado por Lukás Bech, Henriette Confurius, Roxane Duran y Georg Friedrich, entre otros.

La película - Continuando con nuestro repaso a ese selecto grupo de películas que han logrado alzarse con el Óscar a la Mejor película de habla no inglesa, hoy os hablaremos a la que consiguió la preciada estatuilla en el año 2008, Los falsificadores, un trabajo que trata un tema tan lamentable y espinoso como repetidamente utilizado en el cine, el del genocidio cometido por los nazis contra el pueblo judío y quien osara cruzarse en su camino. ¿Por que merece la pena disfrutarla entonces?. Muy sencillo. La película de Stefan Ruzowitzky se centra en un suceso poco conocido, al menos por un servidor, que pudo cambiar el devenir de la guerra, para bien o para mal, y que además nos retrata la vida dentro de un campo de concentración de los que podían sentirse afortunados, judíos que por poseer habilidades de las que necesitaba el ejercito nazi, pudieron intentar salvar sus vidas y pasar sus días encerrados en mejores condiciones que la mayoría de su pueblo.

Animales nocturnos (Nocturnal Animals) - Tom Ford (2016)

Título original - Nocturnal Animals

Año - 2016

Duración - 115 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Tom Ford

Guion - Tom Ford, basado en la novela de Austin Wright

Música - Abel Korzeniowski

Fotografía - Seamus McGarvey

Montaje - Joan Sobel

Producción - Tom Ford y Robert Salerno

Productora - Focus Features, Fade to Black Production

Reparto - Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Armie Hammer, Isla Fisher, Michael Sheen, Laura Linney, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Jena Malone

Género - Thriller, Drama / Literatura, Venganza, Thriller psicológico

Tom Ford escribe, adaptando la novela Tony and Susan (1993) de Austin Wright, y dirige este hipnótico trabajo que no suele dejar indiferente a nadie. Con la dual fotografía de Seamus McGarvey, la excelente banda sonora de Abel Korzeniowski y el dúo protagonista formado por Amy Adams y Jake Gyllenhaal, magníficamente acompañados de un estelar Michael Shannon, estamos ante un trabajo que crea disparidad de opiniones en los aficionados, pero que si consigue embelesarte como a mi me ocurrió, es de los que activan mentes y suelen dejarlas en funcionamiento por algún tiempo.

Sinopsis - Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un día Susan recibe una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer, y es la historia de un matrimonio con una hija que conduciendo por Texas una noche son perseguidos por otro vehículo...

El director - Tom Ford es un diseñador de modas y director de cine nacido en Austin, Texas, el 27 de agosto de 1961. Hijo de Shirley Burton y Thomas David Ford, ambos corredores inmobiliarios, pasó sus primeros años en los suburbios de Houston, Texas, y en San Marcos, en las afueras de Austin. 

Ford comenzó a trabajar para Gucci en 1990. Su papel en la compañía ganó importancia rápidamente; al cabo de seis meses ya diseñaba ropa masculina, y poco después los zapatos. Cuando Richard Lambertson deja el puesto de director de diseño en 1992, Ford asumió la dirección de la marca prêt-à-porter, los perfumes, la imagen, la publicidad y el diseño de la tienda. Cuando Gucci adquirió la casa de Yves Saint Laurent (YSL) en 1999, Ford fue nombrado director creativo de esa marca desplazando, así, a Alber Elbaz que había sido la elección de Saint Laurent para el director creativo de la línea de prêt-à-porter de la compañía. En abril de 2004, Ford se separó del grupo Gucci, tras no poder llegar a un acuerdo con los jefes de PPR sobre el control artístico del Grupo. Ford se ha referido a esta experiencia como "devastadora" porque "puso todo en ella durante quince años". Tras ello lanzó una línea de ropa masculina, belleza, gafas y accesorios en 2006, con Dominico De Sole a la cabeza.

En marzo de 2005, Ford anunció el lanzamiento de su compañía de producción de cine, Fade to Black. En 2009 hizo su debut como director con A Single Man (Un hombre soltero), basada en la novela homónima de Christopher Isherwood. Las estrellas del drama fueron Colin Firth, como un profesor universitario homosexual con residencia en Los Ángeles, junto a Julianne Moore, Nicholas Hoult y Matthew Goode. El guion fue adaptado por el canadiense David Scearce y el propio Ford, que fue también uno de los productores. Se estrenó el 11 de septiembre de 2009 en el 66.º Festival de cine de Venecia Internacional, donde fue nominada para el máximo galardón del León de Oro. Colin Firth fue galardonado con la Copa Volpi al Mejor Actor por su actuación. Ganó un premio BAFTA al Mejor Actor en un papel principal, y fue nominado a un Oscar, un Globo de Oro, al Premio Independent Spirit y el Screen Actors Guild Award. 

Animales nocturnos (Nocturnal Animals, 2016) es su segundo y último trabajo hasta la fecha, una adaptación de la novela de Austin Wright Tony and Susan, con George Clooney y Grant Heslov como productores. Jake Gyllenhaal y Amy Adams interpretan a los protagonistas, Tony y Susan.

La película - He de reconocer que muy poco, por no decir nada, sabía el que redacta este artículo sobre el realizador y diseñador Tom Ford, antes de disfrutar la película que hoy nos ocupa e indagar sobre el para realizar su crítica. El mundo de la moda no es precisamente lo mío, aunque después de disfrutar este trabajo, he de reconocer que la película de Ford tiene algo especial que puede tener mucho que ver con la experiencia de su director en dicho mundo, ya que ha sido capaz de trasladar el poder de atracción de un buen anuncio publicitario de ropa o perfume de 20 o 30 segundos, a los 115 minutos que dura Nocturnal Animals, algo nada sencillo de conseguir. Pero no crean que es solo visual ese poder, ya que tanto la historia que nos cuenta, como la forma en la que ha sido llevada a la pantalla, crean un conjunto que tiene ese poder cautivador que no te abandona fácilmente.

Estamos ante un trabajo que no espera siquiera a finalizar los créditos iniciales para llamar y atrapar tu atención, que desde la primera imagen que muestra en pantalla deja a las claras que este es un viaje que película y espectador han de hacer juntos, cogidos de la mano como si de una pareja de adolescentes enamorados se tratase. La película comienza mostrándonos imágenes perturbadoras que parecen no tener ningún sentido, que el espectador ha de ir uniendo como si de un puzzle de tropecientasmil piezas se tratase, algo que nos acompañará hasta su brillante escena final, y si el realizador estadounidense ha conseguido su objetivo de cautivarnos, hasta mucho mas allá de este, ya que permanecerá rondando por nuestra mente por tiempo indefinido. Es por ello por lo que creo que este trabajo recibe críticas de todo tipo, porque no entiende de medias tintas: o te atrapa, o te aburre.

Roma, ciudad abierta (Roma città aperta) - Roberto Rossellini (1945)

Título original - Roma città aperta

Año - 1945

Duración - 100 min.

País - Italia 

Dirección - Roberto Rossellini

Guion - Federico Fellini, Sergio Amidei y Roberto Rossellini, basado en una historia de Sergio Amidei y Alberto Consiglio

Música - Renzo Rossellini

Fotografía - Ubaldo Arata

Montaje - Eraldo Da Roma y Jolanda Benvenuti

Producción - Giuseppe Amato, Ferruccio De Martino y Roberto Rossellini

Productora - Excelsa Films

Reparto - Aldo Fabrizi, Anna Magnani, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Género - Drama, Bélico / II Guerra Mundial, Neorrealismo

Roberto Rossellini escribió, junto a Federico Fellini y Sergio Amidei, y dirigió Roma città aperta, la primera película de su "Trilogía de la guerra" o "Trilogía neorrealista", a la que siguieron Paisà (Camarada, 1946) y Germania anno zero (1947). Un trabajo considerado como el inicio del movimiento denominado Neorrealismo italiano, que supuso el inicio de una nueva manera de hacer cine y el olvido del encorsetamiento al que la Italia fascista los había sometido durante décadas. Mas que una simple película, un punto de inflexión dentro del cine.

Sinopsis - Segunda Guerra Mundial. Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar al ingeniero Manfredi (Marcello Pagliero), un comunista que es el líder del Comité Nacional de Liberación. Pero en la redada Manfredi consigue escapar y pide ayuda a Francesco, un camarada tipógrafo que en unos días se casará con su novia Pina (Anna Magnani), una viuda con un niño. Además el cura de la parroquia, Don Pietro (Aldo Fabrizi), también apoya la causa e intenta ayudar a Manfredi y los partisanos de la resistencia.

El director - Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en una familia burguesa de Roma, el 8 de mayo de 1906. Su hermano era el compositor Renzo Rossellini. Su padre construyó el primer cine romano 'Il Corso Cinema' (un teatro donde también podían mostrarse películas), por lo que Roberto comenzó a frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Rossellini trabajó como técnico de sonido en varias películas y en diferentes campos relacionados con el cine, ganando una enorme experiencia.

En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à l'aprés-midi d'un faune, después del cual trabajó con Goffredo Alessandrini en el rodaje de Luciano Serra, pilota (1938), una de las películas italianas de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Robertis en Uomini sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (La nave blanca, 1941) es la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (Un piloto regresa, 1942) y Uomo dalla Croce (El hombre de la cruz, 1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.

Solo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Fellini colaboró en el guion y Fabrizi participó en el papel del sacerdote), que él mismo produjo mediante pequeños préstamos. Rossellini comenzó así su 'Trilogía neorrealista', cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (Alemania, año cero, 1947). Después de ella produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (El amor, 1948) con Anna Magnani y La macchina ammazzacattivi (La máquina matamalvados, 1952).

En 1949 Ingrid Bergman escribió una carta a Rossellini proponiéndole trabajar con él, comenzando una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en Stromboli terra di Dio (Stromboli, tierra de Dios, 1950), y un año después en Europa '51 (1951). Viaggio in Italia (Te querré siempre, 1954) completa la llamada 'Trilogía de Ingrid'. Este último film tiene una gran influencia en Francia, donde es reconocido por la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinéma como uno de los orígenes estilísticos de la Nouvelle Vague. En 1965, Rossellini decide dejar el cine para hacer televisión, afirmando que esta última, al ser un medio frío y dirigido a un público masivo, podría mejorar la comunicación con el espectador de la sala de cine. Sus películas de televisión pueden ser consideradas como parte de un proyecto enciclopédico, como si fueran parte de una misma obra. La toma del poder por parte de Luis XIV (1966) es el único telefilm que fue proyectado en salas de cine. Falleció en Roma, el 3 de junio de 1977.

La película - El neorrealismo italiano fue un movimiento narrativo y cinematográfico que surgió en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir de 1945. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo descaradamente propagandístico o de comedias románticas con final feliz, que hasta entonces había impuesto la Italia fascista (1922-1945). El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la película que hoy nos ocupa es considerada como el inicio de dicho movimiento, que mas tarde sería secundado por directores como Vittorio De Sica con títulos como Sciuscià (El limpiabotas, 1946) y Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas, 1948) o Luchino Visconti con La terra trema (La tierra tiembla, 1948). El neorrealismo italiano nació en respuesta a la necesidad de mostrar la Italia del hambre, las injusticias y la pobreza, adquiriendo un compromiso social que dejase de lado esa falsa realidad hasta entonces contada, para poner el objetivo sobre los hechos, mostrándolos de la forma mas imparcial posible.

Un profeta (Un prophète) - Jacques Audiard (2009)

Título original - Un prophète

Año - 2009

Duración - 150 min.

País - Francia

Dirección - Jacques Audiard

Guion - Jacques Audiard y Thomas Bidegain, basado en una idea de Abdel Raouf Dafri

Música - Alexandre Desplat

Fotografía - Stéphane Fontaine

Montaje - Juliette Welfling

Producción - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit

Productora - Why Not Productions, Chic Films, Page 114, France 2 Cinema, UGC Images, BIM Distribuzione, Celluloid Dreams, Canal+, Cinecinema

Reparto - Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi, Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen, Pierre Leccia, Antoine Basler, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni, Frederic Graziani, Leïla Bekhti, Alaa Safi

Género - Thriller. Drama | Drama carcelario. Crimen

Jacques Audiard escribe junto a Thomas Bidegain y dirige Un profeta (Un prophète), un drama carcelario en el que convergen varios géneros, para ofrecernos uno de los retratos mas fieles de la vida en prisión que un servidor ha podido disfrutar. Mención especial a la fotografía de Stéphane Fontaine, la banda sonora de Alexandre Desplat y, sobre todo, el duelo interpretativo entre el veterano Niels Arestrup y el sorprendente Tahar Rahim. Gran Premio del Jurado en Cannes y ganadora del BAFTA a la Mejor película de habla no inglesa. Por algo será.

Sinopsis - El joven Malik El Djebena (Tahar Rahim), un francés de origen árabe, ingresa en prisión para cumplir una pena de seis años. La vida en la cárcel le resulta muy dura, ya que está completamente solo, por lo que no tendrá mas remedio que comenzar a trabajar para la mafia corsa, gobernada con puño firme por César Luciani (Niels Arestrup), que tras ponerlo a prueba, le ofrece la tan ansiada protección que necesita para poder sobrevivir, a cambio de sus servicios. 

El director - Jacques Audiard es un director de cine francés nacido en París el 30 de abril de 1952. Hijo del guionista y director Michel Audiard, a​ comienzos de los años 80 comenzó a escribir guiones que fueron rodaros por diferentes realizadores, como Réveillon chez Bob! o Mortelle randonnée, Baxter, Fréquence Meurtre y Saxo.

En 1994 dirigió su ópera prima, Mira a los hombres caer, una road movie con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant. La película ganó el premio César a la ópera prima y el premio Georges-Sadoul. Dos años después trabajó con Mathieu Kassovitz y Jean-Louis Trintignant en su segunda película, Un héroe muy discreto (1996), una comedia dramática cuyo guion se basó en la novela homónima de Jean-François Deniau.

En 2001 dirige Lee mis labios, un drama cuyo tono hizo que muchos críticos le encontraran reminiscencias con Jean-Pierre Melville. En su reparto aparecían nombres como Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Olivier Gourmet o Serge Boutleroff. Su cuarta película, De latir, mi corazón se ha parado, logró diez candidaturas a los premios César ganando ocho, entre ellos a la mejor película, al mejor director, mejor guion, mejor música y mejor cinematografía. Se trata de un drama interpretado por Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup y Jonathan Zaccaï. Con Un profeta (2009) consiguió nominaciones al Oscar y al Globo de oro como Mejor película de habla no inglesa, además de ganar el BAFTA, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, 9 Premios César y 2 Premios del cine europeo.

Tras ella llegaron el drama romántico De óxido y hueso (2012), con Marion Cotillard y Matthias Schoenaerts; el drama social Dheepan (2015), con Jesuthasan Antonythasan y Kalieaswari Srinivasan; el western Los hermanos Sisters (2018), con Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed y Allison Tolman; y la reciente Les Olympiades (2021), un drama interpretado por Noémie Merlant, Stephen Manas, Geneviève Doang y Lumina Wang.

La película - El drama carcelario se ha convertido en uno de los subgéneros que nos ha dado mas alegrías a los aficionados a este arte a lo largo del tiempo. Títulos como Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption), Brubaker, La leyenda del indomable (Cool Hand Luke), La milla verde (The Green Mile), Papillon, Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz), Pena de muerte (Dead Man Walking), Huracán Carter (The Hurricane), Al rojo vivo (White Heat), El hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz) y El expreso de medianoche (Midnight Express), con bandera estadounidense, o La evasión (Le trou, 1960), En el nombre del padre (In the Name of the Father, 1993), Bronson (2008), Hunger (2008), Celda 211 (2009) y Convicto (Starred Up, 2013), todas europeas, suelen ser sinónimo de calidad y buen entretenimiento. El trabajo que hoy nos ocupa no hace mas que contribuir a engordar esta jugosa lista, aunque en el podemos encontrar varias peculiaridades que lo diferencia del resto y que os vamos a exponer aquí.

Nos vemos allá arriba (Au revoir là-haut) - Albert Dupontel (2017)

Título original - Au revoir là-haut

Año - 2017

Duración - 114 min.

País - Francia

Dirección - Albert Dupontel

Guion - Albert Dupontel y Pierre Lemaitre, basado en la novela: de Pierre Lemaitre

Música - Christophe Julien

Fotografía - Vincent Mathias

Montaje - Christophe Pinel

Producción - Catherine Bozorgan

Productora - ADCB Films, Manchester Films

Reparto - Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Émilie Dequenne, Laurent Lafitte, Mélanie Thierry, Frans Boyer, Travis Kerschen

Género - Drama, Años 1910-1919

Albert Dupontel dirige, interpreta y adapta junto al propio Pierre Lemaitre, la magnífica novela obra de este último. Una enérgica crítica a la absurda e innecesaria I guerra mundial, que nos pone en la piel de dos supervivientes del conflicto y de la venganza que estos pretenden perpetrar, donde sobresalen sus magníficos decorados y el mimo con el que son tratados todos los detalles (Fotografía, vestuario, puesta en escena, etc.). Lástima que no consiga llegar al alma del espectador de la forma en que el libro llega a su lector, porque estaríamos hablando de una obra maestra. Aun así, muy recomendable.

Sinopsis - Noviembre de 1919. Dos soldados, Edouard Péricourt (Nahuel Pérez Biscayart), un magnífico ilustrador, y Albert Maillard (Albert Dupontel), un modesto contable, consiguen sobrevivir al infierno de la guerra, a pesar de tener como mando superior al despótico e inhumano Capitán Henri d'Aulnay-Pradelle (Laurent Lafitte). En la Francia de la postguerra de los años 20, ambos urdirán un elaborado plan para realizar una gran estafa, utilizando el gran auge de los monumentos a los caídos en el campo de batalla.

El director - Philippe Guillaume, más conocido como Albert Dupontel, es un actor, director de cine y guionista francés nacido el 11 de enero de 1964 en Saint-Germain-en-Laye. 

Fue educado en el colegio Paul Bert de Conflans. Después del bachillerato estudió cinco años de medicina, tras los que abandonó la facultad. Fue entonces cuando comenzó su formación en teatro en Lécole du theatre National de Chaillot, bajo la dirección de Antoine Vitez. Trabaja como comediante e interviene esporádicamente en televisión, creando Sales Histoires (las sucias historias, 1990), una serie de cuentos para Canal +. 

Ya con el cine entre ceja y ceja rueda el corto Désire (1992). Tras numerosas dificultades consigue sacar adelante su ópera prima Bernie (1996), una comedia tan negra que tuvo enormes problemas para encontrar financiación; tras ella dirigió e interpreta junto a Claude Perron la comedia Le createur (1999). No es hasta siete años después cuando estrena Enfermés dehors (2006), una nueva comedia que escribe, dirige y protagoniza junto a Claude Perron, Nicolas Marié y Hélène Vincent. Le vilain (The Villain, 2009) es su siguiente trabajo, comedia que vuelve a escribir e interpretar junto a Catherine Frot, Nicolas Marié y Xavier Robic. Tras el regresa a la comedia negra con 9 meses, de condena (2013), que escribe junto a Héctor Cabello Reyes, Olivier Demangel y Laurent Turner, e interpreta junto a Sandrine Kiberlain. Su primera incursión en el drama es Nos vemos allá arriba (2017),  que escribe junto a Pierre Lemaitre, autor de la magnífica novela que adapta, y protagoniza junto a Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup y Émilie Dequenne. Su último trabajo ha sido la comedia dramática Adiós, idiotas (2020), que ha escrito junto a Xavier Nemo e interpretado junto a Virginie Efira, Nicolas Marié, Adèle Galloy y Grégoire Ludig, entre otros.

La película - He de reconocer que me ha costado mucho trabajo decidir la nota que merece este espectáculo llamado Nos vemos allá arriba, ya que tengo el enorme hándicap de haber disfrutado enormemente del texto en el que se basa, algo que no suele ser muy halagüeño a la hora de ponernos delante de su adaptación al cine. Por una parte, no puedo mas que alabar el enorme trabajo que, sin lugar a dudas, han realizado todos y cada uno de los que han participado en este magnífico proyecto, aunque de igual forma se que han estado realmente cerca de ofrecernos una de esas películas que permanecen en nuestra memoria de por vida, algo que me enfurece sobremanera.