Persépolis - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (2007)

Título original - Persepolis

Año - 2007

Duración - 95 min.

País - Francia 

Dirección - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud

Guion - Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, basado en el cómic de Marjane Satrapi

Música - Olivier Bernet

Fotografía - Animación

Montaje - Stéphane Roche

Diseño de producción - Marisa Musy

Coordinación de animación - Jung Wang

Producción - Xavier Rigault y Marc Antonie Robert

Productora - Coproducción Francia-Estados Unidos; 2.4.7. Films

Reparto - Animación

Género - Animación, Drama / Animación para adultos, Cómic, Biográfico, Años 90, Feminismo, Religión

Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud son los encargados de escribir y dirigir la adaptación a la gran pantalla de la novela gráfica autobiográfica de la propia Marjane Satrapi. Con una animación clásica y sencilla, que respeta sobremanera los dibujos de el cómic, y la magnífica banda sonora de Olivier Bernet, su creadora nos cuenta sus recuerdos durante los años 80 y principios de los 90, en los que creció con la guerra Irán - Irak, la revolución islamista que acabó con el régimen de los Shas y sus primeras experiencias en Europa como inevitable escenario. 

Sinopsis - Narra la conmovedora historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días. Cuando los fundamentalistas toman el poder, forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas, y mientras tiene lugar la guerra entre Irak e Irán, Marjane descubre el punk, ABBA y Iron Maiden. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde conoce otra cultura que nada tiene que ver con la de su país. La protagonista se adapta bien a su nueva vida, pero no soporta la soledad y vuelve con su familia, aunque eso signifique ponerse el velo y someterse a una sociedad tiránica. 

Los directores - Marjane Satrapi es una historietista (guionista y dibujante), pintora​ y directora de cine franco-iraní nacida en Rasht, Irán, en 1969. Hija de una familia de Teherán, de talante progresista, reside y trabaja en París. 

Se introdujo en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B., quien le sugirió narrar de este modo sus recuerdos de infancia en Irán. Nació así la novela gráfica Persépolis, una obra autobiográfica que arranca en los momentos finales del régimen del Sha y da cuenta de las dificultades de vivir bajo un estado teocrático. La obra, publicada en cuatro volúmenes, alcanzó un gran éxito de crítica y público y fue adaptada por ella misma y Vincent Paronnaud al cine de animación (2007). Tras ella ha dirigido la comedia dramática Pollo con ciruelas (2011), de nuevo junto a Vincent Paronnaud; la comedia negra The Gang of the Jotas (2012), con María de Medeiros, Ali Mafakheri y Mattias Ripa; repitió con una nueva comedia negra, The Voices (2014), con Ryan Reynolds, Gemma Arterton y Anna Kendrick en su reparto; su último trabajo ha sido Madame Curie (2019), una cinta biográfica sobre la célebre científica polaca, que fue la primera persona en recibir dos premios Nobel en distintas especialidades (Física y Química) y la primera mujer en ocupar el puesto de profesora en la Universidad de París, a la que da vida la brillante Rosamund Pike.

Winshluss, también conocido por su nombre real Vincent Paronnaud, es un dibujante de cómics y cineasta francés, nacido en La Rochelle, en 1970. Publicó sus primeras páginas en el fanzine Las aventuras de Miguel en 1995. Colabora con la revista Ferraille, de la que tomó las riendas junto a su amigo Cizo.

En 2004 dirigió el cortometraje Raging Blues, junto a Lyonel Mathieu y Stéphane Roche. Tras Persépolis (2007) y Pollo con ciruelas (2011), ha dirigido los cortos Territoire (2014) y La Muerte, padre & hijo (2017), este último junto a Denis Walgenwitz. Dirigió uno de los episodios de la comedia de terror ASYLUM: Twisted Horror and Fantasy Tales (2020). El thriller Hunted (2020) ha supuesto su primer largometraje en solitario, con bandera belga y Christian Bronchart, Lucie Debay y Ciaran O'Brien entre su reparto.

La película - Antes de nada me gustaría aclarar mi opinión acerca de las críticas que colocan a este magnífico trabajo como un simple panfleto propagandístico, algo que me parece realmente absurdo e increíblemente injusto, pero que respeto como hago con casi todas las opiniones que leo y escucho. Persépolis nació como una novela gráfica autobiográfica escrita e ilustrada en blanco y negro por la propia Marjane Satrapi, que mas tarde prefirió dirigir su adaptación al cine junto a Vincent Paronnaud, en vez de atender y sucumbir a las frecuentes llamadas de Hollywood, donde desde su publicación despertó el interés de varios estudios por hacerse con la historia y llevarla a la gran pantalla. Según creo, el simple hecho de realizar una autobiografía lleva implícito el que esta no sea parcial, ya que es lógico que si hablas de los sucesos que te han ocurrido, lo hagas desde tu experiencia y los juzgues en función de como te han afectado, a ti y a los tuyos.

Pinceladas de clásicos del terror: La mujer pantera (Cat People) - Jacques Tourneur (1942)

Título original - Cat People

Año - 1942

Duración - 73 min.

País - Estados Unidos 

Dirección - Jacques Tourneur

Guion - DeWitt Bodeen

Música - Roy Webb

Fotografía - Nicholas Musuraca

Montaje - Mark Robson

Vestuario - Renié

Producción - Val Lewton

Productora - RKO Radio Pictures

Reparto - Simone Simon, Kent Smith, Tom Conway, Jane Randolph, Jack Holt, Alan Napier, Elizabeth Dunne, Mary Halsey

Género - Terror. Intriga. Thriller / Serie B. Celos. Drama psicológico

Jacques Tourneur fue el realizador elegido por el productor Val Lewton para dirigir Cat People (La mujer pantera en España). Con un guion escrito por DeWitt Bodeen junto al propio productor, la magnífica fotografía de Nicholas Musuraca, el montaje de Mark Robson y la banda sonora de Roy Webb, estamos ante un trabajo que fue una clara influencia en muchos de los realizados posteriormente en los años 40 y los 50. Una película enmarcada en el género del terror, que con los años yo sitúo mejor entre las que destacan por su intriga y suspense, de una factura espléndida, con la que el realizador demuestra el porqué filmaba una mínimo anualmente. Una delicia para ver con escasa luz.

Sinopsis - Oliver (Kent Smith) conoce a Irena (Simone Simon) durante una visita al zoo. Se enamoran y acaban contrayendo matrimonio. Durante el convite, una misteriosa mujer aparece y afirma ser pariente de Irena. Ella comienza desde entonces a comportarse de manera extraña. Por ello, Oliver busca la ayuda de un psiquiatra. Al mismo tiempo, confía sus temores a su amiga Alice (Jane Randolph). Los celos de Irena complicarán aún más la situación. 

El director -  Jacques Tourneur fue un director de cine franco-estadounidense nacido en París, el 12 de noviembre de 1904. Comenzó una carrera en el cine mientras todavía asistía a la escuela secundaria como extra y más tarde como empleado de guiones en varias películas mudas. De joven, se fue a vivir a Nueva York y más tarde se trasladó a Hollywood, siempre junto a su padre, el también director Maurice Tourneur. Tanto Maurice como Jacques regresaron a Francia después de que su padre trabajara en la película The Mysterious Island en 1925.

Fue uno de esos directores atípicos dentro del mundo del cine, al que este le debe mucho mas de lo que la mayoría pueda imaginar.  Se hizo un nombre en el cine tras la realización de tres películas de terror, junto con el productor Val Lewton en RKO Pictures, durante los años 40: La mujer pantera (1942) película que hoy nos ocupa, Yo anduve con un zombie (1943), de la que os hablamos en este artículo, y El hombre leopardo (1943). Os recomiendo el visionado de cualquiera de ellas, descubriréis un director con un talento excepcional.

A partir de ahí experimentó en casi todos los géneros cinematográficos, realizando intriga, drama, cine bélico, western, cine negro, aventuras, romántico... con mayor o menor éxito de crítica o público, pero con una calidad incuestionable en su trabajo. Algunos ejemplos: Días de gloria (1944), Retorno al pasado (1947), El halcón y la flecha (1950) o La mujer pirata (1951). La lista es interminable, ya que era capaz de realizar una o mas películas al año. 

No fue hasta 1957, cuando regresó al género del terror realizando La noche del demonio, una cinta de serie B en la que mezcla terror, fantasía e intriga para adentrarse en el mundo de las sectas. Sería esta su última aportación al género y resulta igualmente recomendable que las anteriormente señaladas. Aún le quedó tiempo para rodar algunos capítulos de series como La dimensión desconocida, Aventuras en el paraíso o Bonanza antes de retirarse de la dirección a finales de los años 60. Siempre destacó por su increíble habilidad para sacar un enorme partido a los bajos presupuestos con lo que contaba. Falleció en Bergerac, Francia, el 19 de diciembre de 1977.

La película - Cuando en 1942 el productor Val Lewton terminó su relación de trabajo con el productor independiente David O. Selznick, Charles Koerner le entregó el control de una nueva unidad creada para desarrollar largometrajes de terror de serie B para la RKO. Este se apresuró a reunir a un equipo de cineastas con los que había trabajado anteriormente, entre los que estaban el realizador Jacques Tourneur, el editor Mark Robson y el guionista DeWitt Bodeen. Lewton conocía de primera mano el buen hacer de todos ellos, por lo que no dudó en reunirlos y comunicarles que la primera consigna recibida por parte de un ejecutivo de RKO era realizar una película con el título Cat People. No se a ciencia cierta cuantas veces en la historia de este arte se ha realizado una película en base a un título, pero en este caso ocurrió, vaya si ocurrió. 

Espías desde el cielo (Eye in the Sky) - Gavin Hood (2015)

Título original - Eye in the Sky
Año - 2015
Duración - 102 min.
País - Reino Unido
Director - Gavin Hood
Guión - Guy Hibbert
Música - Paul Hepker y Mark Kilian
Fotografía - Haris Zambarloukos
Montaje - Megan Gill
Producción - Ged Doherty, Colin Firth y David Lancaster
Productora - Entertainment One / Raindog Films
Género - Thriller, Bélico
Reparto - Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul, Barkhad Abdi, Iain Glen, Phoebe Fox, Carl Beukes, Richard McCabe, Tyrone Keogh, Babou Ceesay, James Alexander, Lex King, Daniel Fox, John Heffernan, Luke Tyler, Jeremy Northam

Gavin Hood es el encargado de llevar a la gran pantalla el guion escrito por Guy Hibbert, un thriller sobre terrorismo y como las nuevas tecnologías han cambiado las reglas del juego. Lo mejor de ella el trabajo de su reparto, con Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul y Barkhad Abdi a la cabeza y la banda sonora de Paul Hepker y Mark Kilian. Lástima que su guión resulte un tanto predecible y plantee algunas situaciones poco reales, algo que la hubiera elevado bastante. Fue el último trabajo del lamentablemente desaparecido Alan Rickman, al que echamos mucho de menos.

Sinopsis - La coronel Katherine Powell (Helen Mirren), una oficial de la inteligencia militar británica, lidera una operación secreta que busca a un peligroso grupo de terroristas en Nairobi, Kenia. Cuando consiguen localizarlos, se dan cuenta de que están ultimando un gran atentado, por lo que la inicial idea de capturarlos pasa a ser la de eliminarlos y evitar así una masacre. El problema es que la célula está en el interior de un poblado, por lo que es necesario calcular muy bien los posibles daños colaterales entre los numerosos civiles que también la habitan.

El director - Gavin Hood es un actor, director, guionista y productor de cine sudafricano, nacido en Johannesburgo, el 12 de mayo de 1963. Comenzó a dirigir cuando se le encargó hacer varios cortometrajes educativos para el Departamento de Salud de Sudáfrica. Su primer cortometraje comercial fue The Storekeeper (1998).

Su primer largometraje fue Luchar por sobrevivir (1999), interpretado por Gavin Hood, Nigel Hawthorne, Janine Eser y Vusi Kunene, trata acerca de un joven de una región rural en tierras zulú, acusado por el asesinato de un bebé de apenas un año, creyendo que éste estaba poseído por un espíritu demoniaco, el Tikoloshe. Tras ella dirigió una película de aventuras con bandera polaca, W pustyni i w puszczy (2001), que trata sobre dos niños de 15 y 9 años que son secuestrados durante una rebelión en Sudán. Está interpretada por Adam Fidusiewicz, Karolina Sawka y Artur Zmijewski. 

Por su siguiente trabajo, Tsotsi (2005), ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y fue nominado al Globo de Oro. Se trata de un drama social interpretado por Presley Chweneyagae, Terry Pheto, Kenneth Nkosi y Mothusi Magano. Tras ella dio el salto a Hollywood dirigiendo Expediente Anwar (2007), un thriller sobre terrorismo interpretado por Reese Witherspoon, Jake Gyllenhaal, Meryl Streep, Alan Arkin, Peter Sarsgaard, Omar Metwally y J.K. Simmons. Dos años mas tarde fue elegido para dirigir X-Men Orígenes: Lobezno (2009), con Hugh Jackman, Liev Schreiber, Danny Huston y Lynn Collins, entre otros. Tras el telefilm Tough Trade (2010) y dirigir algún episodio de la serie Ex Convictos (2011), dirigió El juego de Ender (2013), un trabajo de ciencia ficción protagonizado por Asa Butterfield, Harrison Ford, Hailee Steinfeld, Ben Kingsley y Viola Davis. Su siguiente trabajo fue Espías desde el cielo (2015), un thriller dramático sobre terrorismo y como ha cambiado la guerra hoy dia. Tiene entre su reparto nombres como Helen Mirren, Alan Rickman, Aaron Paul o Barkhad Abdi. Su último trabajo ha sido Secretos de Estado (2019), un thriller dramático ambientado en la guerra de Irak, basado en hechos reales. Cuenta con nombres como Keira Knightley, Matt Smith, Ralph Fiennes, Matthew Goode y Indira Varma, entre otros.

La película - Que la tecnología ha cambiado nuestras vidas es algo que creo pocos pueden dudar o rebatir. En los últimos tiempos ese cambio ha cogido bastante velocidad, obligando a empresas, instituciones y ciudadanos de a pie a ponerse las pilas y modernizarse o morir. Para colmo, la dichosa pandemia que nos asola ha acabado por acortar dichos tiempos, obligándonos a trabajar o asistir a clase a distancia, dependiendo de un ordenador, una tablet o un teléfono móvil como hasta hace poco ni hubiéramos imaginado. Lógicamente, si esto ha ocurrido en la vida civil, imagínense como ha podido cambiar la militar, teniendo como tienen acceso a tecnología que desde fuera ni imaginamos, pudiendo, por ejemplo, realizar rastreos a distancia que les permiten acceder a sitios donde un batallón lo tendría complicado, e incluso eliminar enemigos sin siquiera poner en peligro a militares a la hora de hacerlo. 

1922 - Zak Hilditch (2017)

Título original - 1922

Año - 2017

Duración - 101 min.

País - Estados Unidos

Dirección - Zak Hilditch

Guion - Zak Hilditch, que adapta la novela corta de Stephen King

Música - Mike Patton

Fotografía - Ben Richardson

Montaje - Merlin Eden

Vestuario - Claudia Da Ponte

Producción - Ross M. Dinerstein

Productora - Lighthouse Pictures, Campfire. Distribuidora: Netflix

Reparto - Thomas Jane, Molly Parker, Neal McDonough, Brian d'Arcy James, Dylan Schmid, Kaitlyn Bernard, Bruce Blain, Bob Frazer, Graeme Duffy, Patrick Keating, Spencer Brown, Danielle Klaudt, Tanya Champoux, Eric Keenleyside, Peter New, Peter Hall, Michael Bean, Mark Acheson, Bart Anderson

Género - Terror, Drama / Drama psicológico, Crimen, Años 20, Roedores

El realizador Zak Hilditch adapta la novela corta homónima de Stephen King y dirige 1922, un excelente trabajo totalmente fiel al texto original, ambientado en los inicios del siglo XX en la américa profunda sureña. Con la magnífica fotografía de Ben Richardson, la apropiada banda sonora de Mike Patton y un magnífico Thomas Jane al frente de su reparto, estamos ante un excelente drama psicológico que, sin embargo, no colmará las necesidades de los fans del género del terror, a pesar de que sea este en el que está colocada. Recomendable si sabes a lo que te enfrentas, decepcionante si lo que deseas es pasar miedo.

Sinopsis - En el año 1922, Wilfred "Wilf" James (Thomas Jane) es un agricultor que vive en Hemingford Home, Nebraska, con su esposa, Arlette (Molly Parker) y su hijo de 14 años Henry (Dylan Schmid). Wilf y Arlette no se ponen de acuerdo sobre si deben vender las tierras que Arlette heredó recientemente. Arlette quiere venderlas completamente y mudarse a Omaha para abrir una tienda de ropa. Wilf, desprecia la vida de la ciudad y desea conservarlas, ya que piensa que el orgullo de un hombre es su tierra y se las dejará algún dia a Henry. Arlette piensa entonces en el divorcio, e insiste en que Henry se irá con ella, algo que Wilf no piensa consentir.

El director - Zak Hilditch es un director y guionista australiano. Se graduó dela Universidad de Curtin, en Perth, Australia Occidental.

Debutó escribiendo y dirigiendo Waiting for Naval Base Lilly (2003), interpretada por Laura Henderson y Tony Nicholls, tras la que escribió, junto a Steve McCall, y dirigió The Actress (2005), una comedia con nombres como Caitlin Higgins, Matt Hardie, Laura Henderson, Jodie Passmore y Jane Pyper. Su siguiente trabajo fue Plum Role (2007), un drama que también escribió, protagonizado por Matt Hardie, Laura Henderson, Luke Jago, Adam McGurk y Tom Stokes, entre otros.

Tras dirigir tres episodios de la miniserie Henry & Aaron's 7 Steps to Superstardom (2011), volvió a escribir y dirigir el cortometraje Transmission (2012). Se trata de un drama ambientado en un futuro postapocalíptico, en el que un padre y su hija tratan de llegar a una zona de seguridad libre de virus, después de que una pandemia haya acabado con el 90% de la población de su ciudad. Está protagonizado por Angourie Rice, Wayne Davies y Ben Sutton. Seguidamente escribió y dirigió el largometraje Las últimas horas (2014), un thriller sobre el último día de vida en la tierra por la que el actor Nathan Phillips se alzó en el Festival de Sitges con el premio como mejor actor. Lo acompañan Jessica De Gouw, Sarah Snook, David Field y Angourie Rice. Su siguiente trabajo fue 1922 (2017), una adaptación satisfactoria de la novela corta homónima de Stephen King, interpretada por Thomas Jane, Molly Parker, Neal McDonough, Brian d'Arcy James y Dylan Schmid, entre otros. Su último trabajo ha sido la evitable Serpiente de cascabel (2019), donde mezcla thriller e intriga para contarnos la historia de una mujer  que acepta la ayuda de una misteriosa mujer después de que su hija sea mordida por una serpiente de cascabel, algo que no será gratuito. En ella aparecen nombres como Carmen Ejogo, Theo Rossi, Emma Greenwell, Apollina Pratt y Joy Jacobson.

La película - Quienes hayan realizado un buen repaso a la bibliografía de Stephen King, sabrá que es uno de los novelistas de terror de los que mas adaptaciones al cine se han realizado en la historia, aunque de igual forma habrán podido comprobar que no siempre se consigue plasmar con eficacia el espíritu de sus relatos en la pantalla. La empresa no suele ser nada sencilla, ya que conseguir mostrar en imágenes lo que ronda por la imaginación y la mente de cada lector, suele ser complicado, pero si además se trata de relatos donde la fantasía, lo sobrenatural y lo desconocido son los protagonistas, llegar a satisfacer a una gran mayoría de los fans resulta muy complicado. Desde la pionera Carrie, dirigida por Brian De Palma (1976), destacan nombres como El resplandor (1980), Creepshow (1982), Cujo (1983), Christine (1983), Los chicos del maíz (1984), Misery (1990), La mitad oscura (1993), La tienda (1993), Cadena perpetua (1994), Eclipse total (Dolores Claiborne) (1995), La milla verde (1999), Corazones en Atlántida (2001), La ventana secreta (2004), 1408 (2007), La niebla (2007), o las mas recientes It (2017), El juego de Gerald (2017), It. Capítulo 2 (2019) Doctor Sueño (2019), Cementerio de animales (2019) y las miniseries El visitante (2020) y The Stand (2020).

El maquinista (The Machinist) - Brad Anderson (2004)

Título original - The Machinist

Año - 2004

Duración - 100 min.

País - España 

Dirección - Brad Anderson

Guion - Scott Kosar

Música - Roque Baños

Fotografía - Xavi Giménez

Montaje - Luis de la Madrid

Producción - Carlos Fernández, Julio Fernández y Antonia Nava

Productora - Castelao Productions

Reparto - Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sánchez-Gijón, Michael Ironside, John Sharian

Género - Thriller, Drama / Thriller psicológico, Drama psicológico, Surrealismo, Película de culto

Brad Anderson fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el magnífico guion de Scott Kosar. Ayudado por la inquietante fotografía de Xavi Giménez, la apropiada banda sonora de Roque Baños y el inmenso trabajo de un Christian Bale que borda su papel, estamos ante un thriller psicológico que nos invita a adentrarnos en la mente de su protagonista e intentar saber junto a el que le está ocurriendo. Mas que muy recomendable, imprescindible. Hay situaciones y lugares en este mundo, que por muy grandes que nos parezcan, solo tienen una salida.

Sinopsis - Trevor Reznik (Christian Bale), un empleado de una fábrica, padece desde hace un año un grave problema de insomnio, un mal que él oculta y que le provoca terribles alucinaciones. Debido a la fatiga se ha deteriorado tanto su salud física como su salud mental. Repelidos por su aspecto físico, sus compañeros de trabajo primero le evitan, y después se volverán contra él cuando ocurre un accidente en el que Trevor se ve involucrado.

El director - Brad Anderson es un director de cine estadounidense nacido en Madison, Connecticut, en 1964. Hijo de Pamela Taylor Anderson, una administradora de servicios comunitarios, es sobrino de la actriz Holland Taylor, ganadora de un Premio Emmy. Antes de comenzar su carrera cinematográfica, asistió al Bowdoin College, donde se especializó en antropología y ruso. Luego fue a Londres para terminar su educación cinematográfica en la London Film School, antes de regresar a Boston.

Tras el cortometraje ¡El planeta de los monstruos de Frankenstein! (1995), debutó con la comedia dramática independiente The Darien Gap (1996), tras la que dirigió las comedias románticas Próxima parada Wonderland (1998), con Hope Davis, Alan Gelfant y Victor Argo, y Happy Accidents (2000), con Marisa Tomei, Vincent D'Onofrio y Nadia Dajani. Seguidamente se pasó al terror psicológico con Session 9 (2001), protagonizada por David Caruso, Stephen Gevedon y Paul Guilfoyle. Infructuosa en taquilla, la película ha ganado desde entonces el estatus de película de culto. Le siguió su obra más notable hasta la fecha, El maquinista (2004), protagonizada por Christian Bale. La película se hizo conocida por la dramática pérdida de peso de Bales (28 kilos) para el papel principal, y por su guión, escrito por Scott Kosar.

Sus dos siguientes películas fueron Transsiberian (2008), un thriller protagonizado por Woody Harrelson, Emily Mortimer y Ben Kingsley, y la película de terror Vanishing on 7th Street (2010), protagonizada por Hayden Christensen, John Leguizamo y Thandie Newton. Tras ellas dirigió The Call (La última llamada, 2013), un thriller protagonizado por Halle Berry y Abigail Breslin. Asylum: El experimento (también conocida como Eliza Graves) se estrenó en 2014, con Kate Beckinsale, Jim Sturgess, David Thewlis y Ben Kingsley en los papeles principales. Anderson dirigió tras ella el thriller de espionaje El Rehén (Beirut) (2018), protagonizado por Jon Hamm y Rosamund Pike. Tras ella dirigió el thriller de intriga Fractura (2019) para Netflix, protagonizada por Sam Worthington, Lily Rabe, Stephen Tobolowsky y Adjoa Andoh.

La película - Echando la vista atrás antes de escribir este artículo, la primera película que se me ha venido a la mente es la magnífica Dallas Buyers Club, de la que os hablamos en este artículo, y no precisamente porque sean comparables o simplemente se parezcan, sino por el cambio físico al que se sometieron sus actores principales para poder dar vida a sus personajes. En aquella ocasión Matthew McConaughey interpretaba a Ron Woodroof, un paciente de VIH, papel para el que tuvo que perder 23 kg, mientras que Jared Leto daba vida a Rayon, una mujer transgénero, para el que perdió 14 kg. Ambos consiguieron alzarse con el Oscar, el Globo de Oro, el Premio del Sindicato de Actores y el Critics' Choice Movie Awards, como mejor actor principal y mejor actor secundario, respectivamente. En el caso que hoy nos ocupa, el actor Christian Bale perdió la friolera de 28 kilos, lo que redujo su masa corporal a solo 50 kilos, que hubieran sido menos si los productores no lo hubieran obligado a parar. Tras ello no solo recuperó su peso original, sino que a base de una buena alimentación y mucho gimnasio, ganó 30 kilos mas para preparar su personaje en Batman Begins. Una locura.

Le llamaban Jeeg Robot (They Call Me Jeeg) - Gabriele Mainetti (2015)

Título original - Lo chiamavano Jeeg Robot

Año - 2015

Duración - 112 min.

País - Italia 

Dirección - Gabriele Mainetti

Guion - Nicola Guaglianone y Menotti, basado en una historia de Nicola Guaglianone

Música - Michele Braga, Gabriele Mainetti

Fotografía - Michele D'Attanasio

Montaje - Andrea Maguolo

Producción - Gabriele Mainetti

Productora - Goon Films, RAI, Ministero per i Beni e le Attività Culturali

Reparto - Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei, Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo, Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro

Género - Thriller, Drama, Fantástico / Superhéroes, Mafia

Gabriele Mainetti consiguió en 2015 estrenar el que sería su primer largometraje, tras cinco largos años buscando financiación en vano. El tono de la película no agradaba a los productores, por lo que tuvo que buscarse la vida para conseguir filmar este brillante drama social disfrazado de película de superheroes, que tiene en su tono realista, el desarrollo de sus personajes y el perfecto equilibrio entre drama, acción y ciertos toques de humor, sus mejores bazas. Me ha sorprendido gratamente.

Sinopsis - Enzo Ceccoti (Claudio Santamaría), un convicto, entra en contacto con una sustancia radioactiva. Tras el accidente descubre que tiene una fuerza sobrehumana, por lo que decide utilizar sus poderes para comenzar una carrera criminal. Todo cambia, no obstante, cuando conoce a Alessia (Ilenia Pastorelli), una chica que está convencida de que él es el héroe del manga Jeeg Steel.

El director - Gabriele Mainetti es un actor, guionista, director, compositor y productor italiano nacido el 7 de noviembre de 1976. Se graduó en Historia y Crítica de Cine en la Universidad de Roma. Asistió a cursos de dirección, dirección de fotografía, producción y escritura en la Tisch School of the Arts de Nueva York. Su formación como actor está vinculada a los talleres y cursos celebrados en Roma por Beatrice Bracco, Francesca De Sapio, Nicolaj Karpov y Michael Margotta. Comenzó su carrera en la industria del cine como actor de comedias menores y series de televisión.

Como director, debutó con bastante repercusión gracias a su primer cortometraje titulado Basette (2008), un homenaje a la serie manga creada e ilustrada por Monkey Punch y publicada por la revista japonesa Weekly Manga Action, Lupin III. En 2011 fundó la productora Goon Films, con la que dirigió el corto Tiger Boy (2012), un drama adolescente sobre pedofilia por el que fue galardonado con un Nastro d'argento, uno de los premios mas prestigiosos del cine italiano, aunque mediáticamente ha sido eclipsado en las últimas décadas por el David de Donatello. 

Su primer largometraje fue Le llamaban Jeeg Robot (2015), del que hoy nos ocupamos. En el se mezclan thriller, drama y cine fantástico para contarnos la historia de un delincuente que adquiere poderes tras entrar en contacto con una sustancia tóxica. Elogiado por público y crítica, ha ganado varios premios italianos de importancia, entre los que destacan los premios David di Donatello como Mejor Director Novel y Mejor Productor. Tras el dirigió Ningyo (2016), un cortometraje fantástico protagonizado por Alessandro Borghi y Aurora Ruffino.

El largometraje Freaks Out estaba programado para ser lanzado el 16 de diciembre de 2020, pero se retrasó a una fecha desconocida de 2021, debido a la pandemia por la COVID-19. Se trata de un drama ambientado en los años 40, durante la segunda guerra mundial, que cuenta entre su reparto con nombres como Claudio Santamaria, Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Giancarlo Martini, Giorgio Tirabassi o Max Mazzotta. Habrá que estar atentos para ver sus resultados.

La película - El cine de superheroes no es lo mio, de eso no tengo ninguna duda. Existen miles de compañeros, profesionales o no, capaces de redactar artículos a los que yo ni siquiera puedo acercarme, principalmente porque por lo general no suelo consumir este tipo de productos, no me llenan como debieran, por lo que prefiero dedicar mi tiempo a otro tipo de cine, tanto a verlo como a escribir sobre el. Cuestión de gustos, nada mas. Cuando un buen amigo, del que me fio bastante en cuanto a gustos, me recomendó insistentemente el visionado de esta Lo chiamavano Jeeg Robot, he de reconocer que fui bastante exceptico, por los motivos que les he descrito. Finalmente decidí darle una oportunidad, algo que ha resultado una experiencia bastante satisfactoria, ya que en este peculiar trabajo se aunan algunos géneros que consiguen crear una película que, ante todo, resulta extrañamente realista, algo que para películas así es poco menos que impensable.

Plácido - Luis García Berlanga (1961)

Título original - Plácido

Año - 1961

Duración - 85 min.

País - España

Dirección - Luis García Berlanga

Guion - Rafael Azcona, Luis García Berlanga, José Luis Colina y José Luis Font

Música - Miguel Asins Arbó

Fotografía - Francisco Sempere 

Montaje - José Antonio Rojo

Vestuario - Hermanos Peris

Maquillaje - Rodrigo Gurrucharri

Producción - Alfredo Matas

Productora - Jet Films. Productor: Alfredo Matas

Reparto - Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintilla, Amelia de la Torre, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Manuel Alexandre, Mari Carmen Yepes, Agustín González, Luis Ciges, Antonio Ferrandis

Género - Comedia / Pobreza, Navidad, Sátira

Luis García Berlanga escribió, junto a Rafael Azcona, José Luis Colina y José Luis Font, y dirigió esta magnífica sátira disfrazada de comedia costumbrista, con la que retrató de forma magistral la España de la época y las enormes diferencias entre las clases sociales que la poblaban. De gran repercusión internacional en su momento, el film fue candidato al Óscar a la mejor película de habla no inglesa, finalmente derrotada por Como en un espejo, de Ingmar Bergman. Única e inolvidable.

Sinopsis - En una pequeña ciudad provinciana, a unas burguesas ociosas se les ocurre la idea de organizar una campaña navideña cuyo lema es: "Siente a un pobre a su mesa". Se trata de que los más necesitados compartan la cena de Nochebuena con familias acomodadas y disfruten del calor y el afecto que no tienen. Plácido (Cassen) ha sido contratado para participar con su motocarro en la cabalgata, pero surge un problema que le impide centrarse en su trabajo: ese mismo día vence la primera letra del vehículo, que es su único medio de vida.

El director - Luis García-Berlanga Martí fue un director de cine y guionista español, nacido en Valencia, el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles, provincia de Valencia. De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde realizó sus primeros cortometrajes.

Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a este, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall. Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona, y de esta asociación surgieron algunas de las películas más célebres del cine español, además de las citadas, como La escopeta nacional.

Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contralectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los jueves, milagro.

Su película Plácido fue candidata al Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e ingresó al año siguiente con un discurso titulado El cine, sueño inexplicable.

Obtuvo premios y galardones internacionales en los más importantes festivales, como Cannes, Venecia, Montreal y Berlín. En el Festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Además, poseía un incontable número de reconocimientos nacionales. Falleció a los 89 años por causas naturales en su casa de la urbanización de Somosaguas (Pozuelo de Alarcón, Madrid) el 13 de noviembre de 2010.

La película - He de reconocer que resulta complicado que gran parte de las nuevas generaciones, las que han tenido la suerte de nacer en un país que aparentemente ha abanzado mucho y crecen escuchando hablar de derechos que personalmente no veo por ninguna parte, puedan valorar lo que realmente es este trabajo. Buena parte de ellos no tienen ni idea de lo que se ha pasado en este país, de las penurias que nuestros antepasados tubieron que soportar para dar algo de comer a su familia, pero no se equivoquen, ninguna culpa tienen de ello. Si no lo han vivido y nuestra moderna sociedad no se preocupa porque lo conozcan (la historia de España parece que se limita a los tiempos de Colón y los Reyes católicos, poco mas), puede que nos acabe ocurriendo lo que mil veces hemos escuchado: El pueblo que desconoce su historia está condenado a repetirla.

Tres colores: Rojo (Three Colours: Red) - Krzysztof Kieślowski (1994)

Título original - Trois couleurs : Rouge (Three Colours: Red)

Año - 1994

Duración - 99 min.

País - Francia

Dirección - Krzysztof Kieślowski

Guion - Krzysztof Piesiewicz y Krzysztof Kieślowski

Música - Zbigniew Preisner

Fotografía - Piotr Sobocinski

Montaje - Jaques Witta

Escenografía - Claude Lenoir

Vestuario - Corinne Jorry

Sonido - Jean Claude Laureaux

Maquillaje - Nathalie Tanner

Producción - Marin Karmitz 

Productora - Coproducción Francia-Polonia-Suiza; MK2 Productions, CAB Productions, France 3 Cinéma, CAB Productions, Studio Filmowe TOR

Reparto - Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean-Pierre Lorit, Frédérique Feder, Samuel Le Bihan, Marion Stalens, Cécile Tanner, Juliette Binoche, Julie Delpy, Benoît Régent, Zbigniew Bielawski

Género - Drama

Krzysztof Kieślowski escribió junto a Krzysztof Piesiewicz y dirigió Tres colores: Rojo (Three Colours: Red), drama que le sirvió para completar la trilogía que dedicó a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan. Una excelente muestra del Cine del realizador polaco, que cuenta con la fotografía de Piotr Sobocinski, la magnífica banda sonora de Zbigniew Preisner y el protagonismo del duo formado por Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant. Para un servidor, imprescindible, y no solo esta, sino la trilogía completa.

Sinopsis - Valentina, una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de un perro atropellado por un coche. La búsqueda de su dueño la conduce a un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. Si antes el espionaje telefónico formaba parte de su trabajo, ahora se ha convertido en un vicio. A Valentina le desagrada la conducta del hombre, pero no puede evitar ir a verlo. 

El director - Krzysztof Kieslowski fue un director y guionista de cine polaco, nacido en Varsovia el 27 de junio de 1941. Criado en una familia modesta, intentó ser bombero, idea que abandonó para volver a sus estudios. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. 

Tras realizar numerosos cortometrajes en la segunda mitad de los años 60, al comienzo de los 70 comenzó a trabajar en televisión, dirigiendo varios documentales y telefilms, sin dejar de realizar cortos. 

Su debut en el cine llegó en 1976 con La cicatriz, tras la que llegaron El aficionado (Amator) (1979), Sin fin (1985) y El azar (Cita a ciegas) (1987). A fines de los 80, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que Kieślowski utilizó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora. Su último trabajo con bandera polaca fue La doble vida de Verónica (1991), tras la que comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su obra más importante, la trilogía Tres Colores, dedicada a los colores de la bandera francesa y a lo que representan: Azul, de la que os hablamos en este artículo, Blanco, de la que os hablamos aquí, y Rojo, tercera película de la que nos ocupamos en el artículo de hoy. Tras esto, decidió retirarse del cine. Falleció en 1996 de un ataque cardíaco en su ciudad natal.

La película - Three Colours: Red es la película que le sirvió al maestro Krzysztof Kieślowski para cerrar su maravillosa trilogía dedicada a los colores de la bandera francesa y a los valores que estos representan, su última contribución a que un medio nacido con aspiraciones de mero entretenimiento llamado Cine, pueda ser considerado como lo que es para un servidor, un hermoso arte. Como ocurre con las dos anteriores, Rojo es un trabajo muy diferente a los otros dos, que posee un alma propia, aunque lógicamente podemos encontrar en el las señas de identidad características del realizador polaco. En este caso el rojo simboliza la fraternidad, la solidaridad, aunque al ser la que cierra la trilogía, se realiza una especie de puesta en común en la que la libertad (azul) y la igualdad (blanco) están igualmente representadas, aunque en menor medida, claro está.

Múltiple (Split) - Trilogía Unbreakable - M. Night Shyamalan (2016)

Título original - Split

Año - 2016

Duración - 116 min.

País - Estados Unidos

Dirección - M. Night Shyamalan

Guion - M. Night Shyamalan

Música - West Thordson

Fotografía - Mike Gioulakis

Montaje - Luke Franco Ciarrocchi

Producción - Marc Bienstock, M. Night Shyamalan y Jason Blum

Productora - Blinding Edge Pictures, Blumhouse Productions, Dentsu Inc, Fuji Eight Company Ltd., Fuji TV

Reparto - James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Betty Buckley, Brad William Henke, Haley Lu Richardson, Sebastian Arcelus, Lyne Renee, Neal Huff, Jessica Sula, Peter Patrikios, Bruce Willis, Izzie Coffey, Ukee Washington, M. Night Shyamalan, Robert Michael Kelly, Rosemary Howard, Jerome Gallman, Kate Jacoby, Kash Goins, Roy James Wilson, Christopher Lee Philips, Julie Potter, Ameerah Briggs, Nakia Dillard, Robin Rieger, Emlyn Elisabeth Morinelli

Género - Thriller, Intriga / Thriller psicológico, Secuestros / Desapariciones

M. Night Shyamalan escribe, dirige y coproduce este thriller psicológico que lleva a la gran pantalla una historia basada en el caso de Billy Milligan, primer estadounidense que evitó la pena de carcel alegando un trastorno de personalidad múltiple, aunque tomándose bastantes licencias, todo sea dicho. Perteneciente a la denominada Trilogía Unbreakable (posterior a El protegido y anterior a Glass), estamos ante un trabajo que no suele dejar indiferente a quienes deciden visualizarlo, en el que destacan su opresiva y angustiosa atmósfera, la habilidad de Shyamalan con la cámara y el compromiso de un James McAvoy ante un papel nada sencillo de interpretar. Existe una bestia en el interior de cada uno de nosotros, aunque en la mayoría de las ocasiones nunca llega a despertar.

Sinopsis - A pesar de que Kevin (James McAvoy) le ha demostrado a su psiquiatra de confianza, la Dra. Fletcher (Betty Buckley), que posee 23 personalidades diferentes, aún queda una por emerger, decidida a dominar a todas las demás. Obligado a raptar a tres chicas adolescentes encabezadas por la decidida y observadora Casey (Anya Taylor-Joy), Kevin lucha por sobrevivir contra todas sus personalidades y la gente que le rodea, a medida que las paredes de sus compartimentos mentales se derrumban.

El director - M. Night Shyamalan es un director de cine y guionista nacido en Pondicherry, India, el 6 de agosto de 1970. Criado en Penn Valley, Pennsylvania, a los ocho años le regalaron una cámara Super-8 y a los 17 había realizado ya 45 películas caseras. 

Debutó con Praying with Anger (1992), claramente influenciado por su primera visita a la India desde que su familia emigró a Estados Unidos. Tras Los primeros amigos (1998), le llegó el reconocimiento de crítica y público con El sexto sentido (1999), protagonizada por Haley Joel Osment y Bruce Willis, por la que consiguió seis nominaciones a los Óscar, entre ellas al mejor director y al mejor guion. Repitió con Willis en El protegido (2000), a la que siguió Señales (2002), interpretada por Mel Gibson, Joaquin Phoenix y Patricia Kalember. Tras El bosque (2004), de la que os hablamos en este artículo y La joven del agua (2006), ambas bastante infravaloradas, nos dejó sus peores títulos: El incidente (2008) y sobre todo Airbender, el último guerrero (2010) y After Earth (2013). 

En los últimos tiempos ha remontado algo el vuelo con la serie Wayward Pines, de la que os hablamos aquí y La visita, en este otro artículo, ambas de 2015. Su siguiente trabajo fue Múltiple (2016), protagonizada por James McAvoy, Anya Taylor-Joy, Jessica Sula, Haley Lu Richardson y Betty Buckley. Tras participar en la serie Servant (2019), escribió y dirigió Glass (Cristal, 2019), con la que cierra su trilogía Unbreakable. Cuenta en su reparto con James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Sarah Paulson y Anya Taylor-Joy, entre otros. Su último trabajo ha sido el thriller fantástico Tiempo (2021), interpretado por Gael García Bernal, Eliza Scanlen, Thomasin McKenzie y Rufus Sewell.

La película - Hablar de M. Night Shyamalan es hablar de un realizador de esos que no sabes por donde te puede salir. Basta con echar un vistazo a su extraña filmografía para saber que es capaz de lo mejor, como atestiguan trabajos como El sexto sentido, Señales o El bosque (nuestra opinión de ella) y de lo peor, como se puede ver en El incidente, Airbender, el último guerrero o la infumable After Earth. Últimamente he de reconocer que no he prestado excesiva atención a su cine, ya que desde la curiosa La visita (nuestra opinión de ella), no había vuelto a ver nada de el. Recuerdo que cuando salió Múltiple, llamó rapidamente mi atención, pero la fui dejando a un lado por un motivo u otro y no ha sido hasta ahora, que su disponibilidad en Netflix me recordó su existencia, cuando al fin me he decidido a verla. Estamos ante un trabajo bastante curioso, que sin duda merece la pena ver, siempre que tengas claro a que te enfrentas y evitas crear falsas expectativas que tan solo consiguen sembrar lo que yo llamo autodesconcierto, ya sea inducido por una promoción engañosa, la opinión de otros aficionados desengañados o la propia imagen creada de lo que creen que van a ver.

Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016)

Título original - Que Dios nos perdone

Año - 2016

Duración - 125 min.

País - España 

Dirección - Rodrigo Sorogoyen

Guion - Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña

Música - Olivier Arson

Fotografía - Álex de Pablo

Montaje - Alberto del Campo y Fernando Franco

Producción - Mercedes Gamero, Gerardo Herrero, Mikel Lejarza

Productora - Tornasol Films, Atresmedia Cine, Mistery Producciones AIE, Hernández y Fernández P.C

Reparto - Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, Raúl Prieto, María de Nati, María Ballesteros, José Luis García Pérez, Mónica López, Rocío Muñoz-Cobo, Teresa Lozano, Francisco Nortes, Andrés Gertrudix, Jesús Caba, Alfonso Bassave, Raquel Pérez, Javier Tolosa, Josean Bengoetxea, Aitor Calderón

Género - Thriller, Drama / Policíaco, Asesinos en serie, Crimen, Neo-noir

Disponibilidad - Netflix, Amazon Prime Video y HBO

Rodrigo Sorogoyen escribe junto a Isabel Peña y dirige Que Dios nos perdone, un magnífico thriller con inconfundible aroma a cine negro, que hará igualmente las delicias de los aficionados al policiaco de calidad. Con la magnífica fotografía de Álex de Pablo, la propicia banda sonora de Olivier Arson y el homogeneo trabajo de su reparto, con Antonio de la Torre y Roberto Álamo a la cabeza, estamos ante uno de esos trabajos que agarran al espectador desde el primer instante y ya no lo sueltan hasta su conclusión. Tan efectiva como realista.

Sinopsis - Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, los inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie cuanto antes y sin hacer ruido. Esta caza contrarreloj les hará darse cuenta de algo que nunca habían pensado: ninguno de los dos es tan diferente del asesino.

El director - Rodrigo Sorogoyen es un director de cine, realizador y guionista español, nacido en Madrid, el 16 de septiembre de 1981. Es nieto y sobrino de los directores de cine Antonio del Amo y José Luis Madrid.​ Se licenció en Historia por la Universidad Complutense de Madrid. En 2001, estudió Guion Cinematográfico en la Escuela de Cine Septima Ars de Madrid. En 2004, se matriculó en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid (ECAM) y comenzó sus primeros trabajos como guionista en conocidas series de ficción.

En 2008 codirigió la película 8 citas, en colaboración con Peris Romano. La cinta, rodada en Madrid, es una comedia romántica a través de ocho historias, con Fernando Tejero, Belén Rueda, Verónica Echegui, Jordi Vilches, Raúl Arévalo, Ana Wagener, Miguel Ángel Solá o Arturo Valls. En 2010, junto a tres compañeros de la ECAM, fundó la productora Caballo Films. Ha dirigido una veintena de telefilmes para series como Impares (2008), La pecera de Eva (2010), Vida loca (2011) o Frágiles (2013). En 2013 se estrenó Stockholm, su primer trabajo en solitario, con guion escrito junto a Isabel Peña. Financiada por crowdfunding, la cinta fue galardonada con tres Biznagas de Plata en el Festival de Cine de Málaga. Además obtuvo una mención especial, el premio Signis a la mejor película y el premio del Jurado Joven también a la mejor película. Sorogoyen obtuvo el galardón al mejor director y el premio al mejor guion novel, junto a su coguionista Isabel Peña. Uno de sus protagonistas, Javier Pereira, recibió el Goya al mejor actor revelación. 

El thriller Que Dios nos perdone (2016), con guion de Isabel Peña y el propio Sorogoyen, contó con actores como Antonio de la Torre, Javier Pereira o Roberto Álamo. Este último ganó por su interpretación en ella el Goya, el Premio Feroz y el Premio Forqué como mejor actor. La película ganó el premio al mejor guión en el Festival de San Sebastián. Su siguiente trabajo fue el thriller El reino, que trata sobre la corrupción en España, fue el gran vencedor de los premios Feroz 2019, logrando 5 de las 10 estatuillas a las que optaba: mejor película dramática, director, actor protagonista (Antonio de la Torre), actor de reparto (Luis Zahera) y guion junto a Isabel Peña. También ganó el premio Goya a la mejor dirección y al guion original, compartido con Isabel Peña. Su siguiente trabajo fue el drama Madre (2019), con Marta Nieto y Jules Porier. Su último trabajo ha sido la miniserie Antidisturbios (2020), un thriller con nombres como Vicky Luengo, Raúl Arévalo, Hovik Keuchkerian, Álex García, Roberto Álamo o Raúl Prieto.

La película - Creo que quien me lea, aunque sea de vez en cuando, sabrá ya de sobra que el cine negro es una de mis grandes pasiones, dentro de este arte que tanto me ha dado y al que intento reivindicar siempre que me es posible. En nuestro país tenemos la suerte de disponer de un grupo de directores que han encontrado en el género la forma ideal de contarnos buenas historias, retratando de paso a la agitada sociedad donde vivimos, consiguiendo resultados magníficos que poco o nada tienen que envidiar a los que se realizan en el resto del mundo. Que Dios nos perdone no es mas que una buena muestra de la excelente salud del llamado Neo-noir en nuestro país, en el que Rodrigo Sorogoyen consigue con maestría que nos metamos en la historia desde el primer minuto, deambulando además entre personajes y localizaciones que nos son muy familiares, algo que no hace mas que potenciar la sordida trama de su magnífica película.